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El orfismo fue un movimiento artístico que surgió a principios del siglo XX. Esta lección incluye una breve reseña sobre el movimiento y explora algunos de sus artistas y pinturas más emblemáticos.
Antecedentes del movimiento artístico del orfismo
Orfeo es un personaje de la mitología griega del que se dice que tiene la capacidad de estimular los sentidos con su música y poesía. Se trata de un movimiento artístico que lleva como nombre Orfismo, el cual se centra en el encuentro entre la luz, las formas y ritmos que puede expresar al espectador.
El orfismo, también conocido como simultaneidad, fue creado por Robert Delaunay y se asemeja a otro estilo de arte popular: el Cubismo. Próspero en la primera década del siglo XX, recibió su nombre oficial en 1912, cuando el escritor y poeta Guillaume Apollinaire amó con entusiasmo la obra de Delaunay, decidió llamarlo Orfismo.
¿Qué es el orfismo como movimiento artístico?
Desafortunadamente, este estilo fue efímero y empezó a quedar obsoleto en 1914, cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial. El orfismo prefiere las formas geométricas, relacionado directamente con el arte abstracto. El cubismo, en cambio, tiende a preferir los tonos monocromáticos, pero es fácil ver el uso de colores brillantes y tenues.
El estilo del orfismo está diseñado para evocar el sentido del espectador de la calidad musical del dibujo, y así transmitir ritmo y movimiento. Las obras también ayudan a conectar objetos cotidianos al tablero, haciéndolo más accesible a una amplia audiencia.
Principales artistas del Orfismo
Es importante recordar que el orfismo como movimiento artístico se desarrolló durante un periodo muy corto de tiempo. Quizás por esta razón, aunque muchos otros artistas se hayan influenciado en estas técnicas pictóricas, mencionaremos solo a tres que consideramos estuvieron intrínsecamente dentro del movimiento, y que al mismo tiempo lo fundaron.
Roberto Delney, 1885 – 1941 (Francia)
Robert Delaunay fue el pintor que inició el movimiento del orfismo, así como el más famoso del movimiento. Fue un pintor francés que se hizo célebre a principios del siglo XX. Su trabajo evolucionó gradualmente de un estilo neoimpresionista a una forma más abstracta, presentando imágenes no concretas y centrándose en los colores y formas brillantes que se pueden crear jugando con la luz en la pintura.
Creía que el color en sí mismo era una entidad, que podía expresarse concretamente en la pintura. Escribió varias obras sobre este tema, entre ellas el famoso texto titulado «Apuntes sobre la construcción del realismo en la pintura pura» en 1912. Su obra, incluso, hace referencia a los científicos en su teoría de que las personas necesitan ciertos elementos intelectuales para percibir adecuadamente su obra de arte.
Delaunay se unió a un grupo de pintores europeos inspirados en el cubismo alrededor de 1904, pero rompió filas con ellos por no aceptar completamente o no ajustarse al estilo cubista. Pronto formó una nueva alianza de talentos artísticos basada en el color puro y el movimiento geométrico; esto se convertirá en orfismo.
Sonia Delaunay, 1885 – 1979 (Francia)
Sonia Delaunay se casó con Robert Delaunay en 1910. Siendo ya una pintora muy conocida, que trabaja principalmente en estilo fauvista, utilizando colores que no se mezclan directamente sobre el lienzo para captar instantáneamente la atención del espectador de forma inmediata e impresionante.
Se dice que Sonia inspiró a su esposo a crear este nuevo estilo artístico con su colcha de retazos al combinar colores únicos en lugar de formas para constituir patrones. Posteriormente, produjo muchas obras importantes para el movimiento orfista.
Curiosamente, el viaje artístico de Sonia no es el único. Comenzó a incorporar telas y eventualmente moda en su arte. Tiene el honor de ser la única mujer en realizar una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Louvre.
Frantisek Kupka, 1871 – 1957 (República Checa)
Frantisek Kupka es un pintor checo que comenzó a experimentar con el fauvismo después de estudiar en un salón en Europa. A principios del siglo XX, estaba más interesado en pintar estilos alejados del realismo y el naturalismo.
Adoptó la idea de Robert Delaunay y produjo muchas obras orfistas, incluida The Cathedral, un símbolo del movimiento orfista actual. Se centró en la idea de combinar la esencia y el fluir del arte y la música, y practicó el clímax en su obra Amorpha: Fugue in Two Colors.
Obras representativas del orfismo
Además de conocer a los artistas que formaron parte de la construcción de este movimiento artística llamada Orfismo o simultaneísmo, es también fundamental mirar con detalle algunas de las obras que llevaron a cabo. Aunque efectivamente mucho más se podría analizar cada una de ellas, observaremos referencias pictóricas para comprender visualmente de qué se trató.
El equipo de Cardiff, 1913 (Robert Delaunay)
¿Qué mejor forma de mostrar ese ritmo y dinamismo que quería el Orfismo, que con un juego de rugby? Se dice que Robert Delaunay se inspiró en la publicación de una noticia en el periódico en torno a tal juego de los Cardiff-París, siendo al mismo tiempo una suerte de excusa para mostrar la modernidad plena.
Podríamos comenzar por mirar la temática, que en sí misma era moderna en ese entonces. Un deporte que estaba siendo muy aclamado, y al mismo tiempo mostrar el dinamismo no solo a partir de los movimientos capturados de los personajes, sino del uso de los colores y la abstracción del cubismo.
Sin embargo, Delaunay no se conformó con tales elementos, sino que también incorporó carteles publicitaros como el evidente “Astra”, la cual notificaba la empresa de construcción de aeronaves, lo cual al mismo tiempo nos adelanta a lo que sería luego el Pop Art.
Todo esto, sin dejar de mencionar a la Torre Eiffel en el borde lateral derecho, la cual era considerada como un símbolo de la modernidad, y además fue empleada en reiteradas oportunidades por el artista en otras tantas de sus obras. Más allá observamos, además, un cartel con el nombre de él mismo, como si de un cartel publicitario se tratase.
Se podría decir que los Cardiff son un retrato del entretenimiento moderno, con una clara iconografía visual. Es hora de mirar hacia adelante y alcanzar el cielo con un gran salto: ese es el futuro.
El Futurismo temprano y el cubismo temprano estaban siendo interrelacionados e influyendo al mismo tiempo. Delaunay está entrando en dos corrientes en ese momento y creando arte simultáneo. Usando diferentes acciones en diferentes momentos, distintos elementos se integran al mismo tiempo. También nos podemos referir, incluso, al collage cubista.
Contrastes simultáneos, 1913 (Sonia Delaunay)
Contrastes simultáneos forma parte de un conjunto de obras que llevan el mismo título. Esta, junto al resto, integraron esa disgregación pictórica desarrolladas por la artista en torno a las formas cubistas y futuristas.
De esta manera sintetiza la trama de aquellas ventanas de forma admirable, incluyendo el ritmo que genera las formas circulares, en este caso ubicado en el borde superior derecho. Estas formas fueron invención de su esposo Robert, con la que juntos alcanzaron una abstracta pureza donde el color no solo es una forma, sino también un contenido, un todo.
Sonia Delaunay deja en evidencia a través de esta obra, el movimiento como quién genera un espacio nuevo para el arte. Para conseguir tal movimiento, la artista se apropia tanto de los colores complementarios, como también de los contrastes disonantes de los mismos colores, especialmente en el rojo y el azul.
Catedral, 1913 (Frantisek Kupka)
La propuesta de abstracción realizada por Frantisek Kupka en Catedral fue inspirada específicamente en el arte gótico, específicamente en las vidrieras de la catedral de Chartres, con la finalidad de generar tan novedosa obra pictórica.
La finalidad, como se plantea claramente en el orfismo, era crear melodías y ritmos tal como en la música. Sin embargo, se emplearía un medio completamente diferente: los colores y las formas, exaltando al mismo tiempo la luz.
La idea estaba clara, prescindir de cualquier elemento figurativo, trabajando únicamente con la luz y el color. A pesar de que podamos ver, quizás, con mayor claridad lo que quiso mostrar, considerando su objeto de inspiración, no siempre es así, dejando grandes debates en torno al arte abstracto.
