Biografía de Mark Rothko

Mark Rothko nació en Dvinsk (Hoy Daugavpils Letonia) el 25 de septiembre de 1903. Su nombre real es Marcus Rothkowitz. Fue uno de los más consagrados artistas del siglo XX, enmarcado en la corriente artística denominada Expresionismo Abstracto Norteamericano. De origen judío, se sabe que tuvo una infancia marcada por el miedo, en esa época se culpaba a los judíos por las dificultades que atravesaba Rusia. Quizás, fue testigo presencial de la violencia que desplegaron los cosacos contra el pueblo judío, para sofocar algunos focos de rebelión que surgieron entre ellos.

Un breve viaje al Expresionismo Abstracto.

Con solo diez años de edad, en 1913, se mudó a Portland, Oregón, en compañía de su madre y su hermana Sonia, para reunirse con su padre y sus dos hermanos que habían viajado años antes. Recibió una beca para estudiar en la Universidad de Yale, New Haven, en 1921.

En 1923, dejó Yale sin recibirse de abogado y se mudó a Nueva York. Al parecer los ataques antisemitas que sufrió, lo decepcionaron. En 1969, siendo un artista reconocido y galardonado en todo el mundo, pudo servir fría su venganza: recibió el doctorado «Honoris Causa» por la Universidad que nunca lo aceptó. Entró a estudiar en la Art Students League, con Max Weber en 1925. Uno de los instructores – Bernard Karfiol – lo incluyó, junto a su amigo Milton Avery, en la Exposición colectiva: Artistas seleccionados por Bernard Karfiol, en la Opportunity Gallery, en 1928.

Expresionismo Abstracto: Jackson Pollock y los pintores de acción

El 12 de noviembre de 1932, se casó con Edith Sachar una diseñadora de joyas. En 1938, adquirió la nacionalidad estadounidense. Su matrimonio sufrió varias crisis hasta que, en 1943, se divorciaron, causando esto una gran depresión a Rothko.

Mary Ellen Beistle, se convirtió en la segunda esposa de Rothko en 1945. Más tarde en 1950, le dio una hija, Kathy Lynn, quien nació en Nueva York. En 1963, dio a luz a su segundo hijo, Christopher. La estabilidad del matrimonio se debilitó por varias circunstancias adversas, como la enfermedad del artista por un aneurisma y su afición al alcohol. Se separaron el día de Año Nuevo de 1969.

Enfermo y deprimido por su reciente separación, Rothko se mudó a su estudio en Nueva York. El 25 de febrero de 1970, Rothko se suicidó. Oliver Steindecker, asistente de Rothko, encontró al artista muerto, en el piso de la cocina. Se dio a conocer que la causa de muerte fue una sobredosis de barbitúricos y un corte en una arteria del brazo derecho. Tenía 66 años. Su esposa, murió solo seis meses después.

Inicios en el Arte

La entrada de Rothko en el mundo del arte, puede considerarse tardía. Fue a la edad de veinte años, cuando se dio cuenta de su verdadera vocación.

Bajo el auspicio de Max Weber, artista cubista participante en el movimiento de vanguardia francés, Rothko inició su tránsito por el camino del arte corría el año 1923. Nueva York era una fértil atmósfera artística. Sus museos eran un recurso invalorable de enseñanza y aprendizaje de un novel artista.

Estudió en la Art Students League, Influenciado por los expresionistas alemanes, realizó varias obras, las cuales expuso en 1928 en la Opportunity Gallery, junto con un grupo de jóvenes artistas como él.

Sus pinturas compuestas por interiores oscuros, escenas urbanas y otros temas, recibieron una buena aceptación de los críticos. Al año siguiente, comenzó a dar clases de arte a los niños judíos en la Academia del Centro en Brooklyn.

El contacto con los niños parece haber influenciado su pintura, rechazó la pintura convencional, enfatizando la parte emocional en sus temas, algo que, según expresó, era común en el arte de los pequeños.

La oportunidad de exponer en forma individual le llegó en 1933, el Museo de Arte de Portland y la Galería de Arte Contemporáneo de Nueva York le abrieron sus puertas. La representación de paisajes, desnudos, retratos y escenas de la ciudad, formaron parte de esta última exposición.

Círculo Artístico de Rothko

La década de los treinta le trajo nuevos cambios, tanto en lo personal como en lo artístico. Se casó en 1932 y conoció a Louis Harris, Adolph Gottlieb, Ilya Bolotowsky y Joseph Solman. Estos jóvenes artistas se codeaban con el pintor Milton Avery, con ellos formó el grupo Los diez disidentes de Whitney, simpatizantes del Expresionismo.

Su reputación crecía a medida que exponía sus obras. Junto con su grupo de artistas de la Unión de Artistas, organizó una exposición en Francia. La Galerie Bonaparte, fue la sede escogida. La crítica fue positiva con la obra de Rothko; reconociendo la particular disposición del color en sus pinturas.

Rothko define su Estilo

El genio creativo de este insigne pintor, se paseó por varias corrientes artísticas antes de alcanzar la madurez que lo llevó a la cima. Ante esta evidencia, su obra se puede dividir en etapas creativas.

Etapa Inicial. Desarrollo autodidacta

Aunque Rothko nunca se definió por un movimiento en concreto, se le conoce como el maestro del Expresionismo Abstracto. En la década de 1920, conoció a Milton Avery, cuyas representaciones simplificadas y coloridas de temas domésticos, tuvieron una profunda influencia en el desarrollo temprano de Rothko, pronto sus temas y colores reflejaron el estilo de Milton, como se evidencia en sus pinturas de escenas de playa.

El impresionismo también tuvo su secuela en la obra de este genio creativo, sus escenas urbanas, como las del metro de Nueva York y las escenas callejeras, semejan el estilo de este movimiento. Las figuras no tienen rostro definido, son planas, y forman parte del espacio arquitectónico, no tienen protagonismo.

Etapa de transición. Mitos y Símbolos.

A partir de 1940, la obra creativa de este artista, adquirió un nuevo matiz. En esta etapa que pudiera llamarse de transición, su obra se nutrió de temas mitológicos, biomórficos y de formas diversas. La obra Getsemaní, de marcado simbolismo religioso, se inspira en el lugar donde se efectuó la traición a Cristo. Y en otra, sin título que la defina, se observan las formas de amebas, enmarcadas por espacios rectangulares de colores brillantes.

La segunda guerra mundial estaba en su apogeo, Rothko expreso la tragedia que vivía la humanidad, en el arte. Fue precisamente en 1940, cuando cambió su nombre de Markus Rothkowitz a Mark Rothko. Ya había comenzado en Polonia la persecución de los judíos, por parte del gobierno alemán y sus aliados.

La mente inconsciente, evidenciada en sus obras, denota la abstracción del hombre ante la tragedia. Sus lienzos con grandes regiones de color o multiformes, como Rites of Lilith – una de sus pinturas emblemáticas -, denotan un cambio significativo hacia lo que él mismo llamó La expresión simple del pensamiento complejo.

Las multiformas constituyen la primera incursión real del artista en la expresión de los campos de color, estilo que representa directamente al expresionismo abstracto norteamericano. Sus lienzos se pueblan de manchas de colores diversos, que se acercan libremente unas a otras, como flotando en el aire, por la superficie del cuadro. Este tipo de pintura es la antesala del denominado estilo clásico de Rothko, que se desarrolla a partir de 1949.

Entre 1947 y 1949, Rothko impartió clases en la Escuela de Bellas Artes de California, San Francisco. Su vida estuvo llena de éxitos, su capacidad de interactuar con diferentes tipos de artistas era inconmensurable; así mismo, siempre estaba dispuesto a fundar organizaciones en pro de la divulgación del arte.

Etapa de Madurez o Clásica

Durante este periodo que se extendió desde 1950 hasta 1970, Rothko precisó su estilo, cuando evolucionó de lo mitológico y surrealista, a las multiformas y la abstracción.

Las pinturas de esta etapa tienen características particulares:

• Abandono de los títulos convencionales, se diferencian unas de otras por números o colores. Sin título [Azul, verde y marrón], 1952

• Eliminó las explicaciones sobre los cuadros.
• Determinó el número de rectángulos flotantes, limitándolos a dos, tres o cuatro; perfectamente alineados verticalmente sobre un fondo de color.
• La saturación y el tono varían, creando un matiz irreal, íntimo y humano.
• El espacio de su arte se hizo más amplio, creando una experiencia cuasirreligiosa en el espectador.
• Su paleta se oscureció paulatinamente, los colores rojo granate, marrón, azul y negro; predominaron a partir de finales de 1956.

Sus formas grandes, llenas de color, sin borde definido; flotan sueltas, sugiriendo una atmósfera de plenitud y libertad, llena de movimiento y profundidad.

Más tarde se simplificaron, convergiendo en rectángulos definidos, algunos con bordes blancos, en variedad de tonos: naranja, rojo, azul, verde negro.

El misticismo de Rothko se impone, sus propias palabras lo definen cuando dijo “sólo quiero expresar emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad. Y el hecho de que mucha gente se rompa y llore cuando se enfrente a mis cuadros, muestra que puedo comunicar esas emociones humanas”

Referencias a su obra

La vasta productividad de este artista, se basa en el color como un instrumento de comunicación. Todas sus etapas tienen un elemento común: la expresión de emociones humanas.

El arte era para él una forma de manifestar sus propias ansiedades; por eso, al final de su vida, sutilmente variaron sus tonos rojos, amarillos y naranjas brillantes, hacia los azules oscuros, verdes, grises y negros.

Algunas de sus obras más famosas son:

• Slow Swirl at the Edge of the Sea – 1944

• Entrance to Subway – 1938

• 3/No.13 (Magenta, Black, Green on Orange)

• Orange and Yellow – 1956

• No 2 – 1964
• Yellow, Cherry, Orange – 1947

Proyectos relevantes

Son varios los proyectos en los cuales participo Rothko a lo largo de su carrera, destacaremos algunos que sobresalieron por su envergadura y notoriedad.

• Decoración del restaurante Four Seasons en el edificio Seagram Building

Hizo tres series de pinturas en rojo oscuro y marrón, un total de cuarenta obras en 1958. Era la primera vez que debía hacer series coordinadas para un gran espacio.

En solo tres meses completó el trabajo, hizo cambios en su formato original, horizontal, a uno vertical. Parece ser que el cambio buscaba equilibrar sus pinturas con la forma del restaurante. Inesperadamente canceló el contrato, al parecer determinó que ese espacio no era adecuado para sus obras.

Hoy, esos famosos murales Seagram están esparcidos en la Tate Modern de Londres, en su propia sala Mark Rothko, el Museo Conmemorativo Kawamura de Japón y la Galería Nacional de Arte en Washington, DC.

• La Capilla Rothko

En 1964 recibió el encargo de los Menil, grandes coleccionistas de arte, de decorar con su arte creativo los muros de la capilla ubicada en Houston, Texas, Estados Unidos.

El artista le dedicó seis años de su vida a este proyecto. Logró cambiar la estructura original, de un edificio cuadrado, a uno octagonal, más apropiado para sus pinturas. Catorce pinturas de Rothko se exhiben en la capilla. En 1971, un año después de su muerte, se inauguró la capilla, con el nombre de capilla Rothko, en homenaje póstumo al artista.

La Capilla Rothko es un santuario interreligioso, un espacio para deliberaciones de líderes internacionales, un centro de peregrinación sin culto religioso definido y, sobre todo, un museo para un artista excepcional Mark Rothko.

• Murales de Harvard

La Universidad de Harvard le encargó un proyecto de pinturas para el ático del Holyoke Center. En 1964, colgó los cinco murales en el comedor, pero notó que la iluminación solar comprometía el color. El artista pidió que se protegieran de la luz, pero, no se cumplieron sus instrucciones y el tinte perdió nitidez.

En 1979, fueron retiradas y guardadas en un sitio oscuro. Actualmente, cuando se exhiben, se les aplican proyectores con un software calibrado píxel por píxel, aproximadamente dos millones de píxeles para cada uno de los cinco murales. Gracias al arduo trabajo de restauradores virtuales, el mundo podrá disfrutar de estas obras de arte nuevamente.

Imágenes: MET, MoMA