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El Art informel es un término francés que describe una serie de enfoques de la pintura abstracta de los años 40 y 50 que tenían en común una metodología improvisada y una técnica muy gestual.
¿Qué es el Informalismo como movimiento artístico?
El informalismo es un movimiento pictórico integral de tendencias abstractas y gestuales que se desarrolló en Europa después de la Segunda Guerra Mundial, junto con el Expresionismo Abstracto Nacional. Juan Eduardo Cirlot fue el principal teórico del movimiento, llevando gracias a ello su nombre.
Orígenes del término
El término se refiere a muchos de los estilos de pintura abstracta que fueron muy frecuentes, incluso dominantes, en las décadas de 1940 y 1950, incluyendo tendencias como el tachismo, el Espacialismo o el Art Brut, la Nueva Escuela de París, la pintura matérica y la abstracción lírica.
Se refiere principalmente al arte europeo, pero también abarca el Expresionismo Abstracto estadounidense. Una fuente importante de este tipo de pintura fue la doctrina surrealista del automatismo.
El término fue utilizado por el crítico francés Michel Tapié en su libro de 1952 Un Art Autre para describir tipos de arte que tenían en común que se basaban en procedimientos muy informales y eran a menudo gestuales. Tapié consideraba este arte como «otro» porque le parecía que rompía completamente con la tradición.
El libro que dio origen al término Informalismo
El mismo año que el libro de Tapié se organizó en París una exposición titulada Un Art Autre, en la que participaron Karel Appel, Alberto Burri, Willem de Kooning, Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle y Wols. Otras figuras clave fueron Henri Michaux, Hans Hartung y Pierre Soulages.
El término art autre, procedente del título del libro de Tapié, también se utiliza para este arte, pero parece que el art informel ha surgido como el nombre preferido.
Contexto histórico para el desarrollo del Arte Informal
En los Estados Unidos, al final de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones económicas, políticas y artísticas dieron lugar a una nueva forma de pintar, imponiendo el expresionismo abstracto a una nueva generación de artistas radicados en Nueva York, produciéndose dos tendencias, principalmente por Jackson Pollock y pinturas de William Action encarnadas por pinturas de campo de color de artistas como de Kooning y Barnett Newman y Mark Rothko.
En esta época, en París, apareció una serie de artistas que no representaban explícitamente la realidad. La posguerra creó un ambiente de duda, absurdo y falta total de grandes proyectos, por lo que los artistas no tenían que luchar por ello, trabajaban sobre la realidad. Es el motor de la experimentación. Desarrollaron una estética abstracta o «informal» para expresar sus sentimientos e impresiones, su expresividad.
El Informalismo en Cataluña
El crecimiento del sector informal en Cataluña se ha mantenido autosuficiente debido a las condiciones políticas en las que vive, las cuales difieren del resto de Europa, pero son similares en cuanto a la falta de perspectivas y conocimiento perceptivo claro.
La apuesta de algunos artistas por nuevas sensibilidades estéticas responde a un concepto y posicionamiento asociado a la clásica imitación (copia) de la realidad. Así, el acto de creación artística busca la expresión directa del entusiasmo, la ira, la indignación o el estallido de sentimientos personales.
La estética informal en Cataluña
Esta estética nació en Cataluña para la práctica del arte, conocida como informalidad, capaz de acabar con la restricción de las formas y crear signos informales que reúnen, abren emociones y evocan “otras” sensaciones. En Francia, en el contexto catalán, se dan estos factores.
La presencia de extraoficiales comenzó en Cataluña en 1953. Los artistas que se expresaron en la reseña de Dau al Set fueron los iniciadores: Antoni Tàpies, Grupo de Operaciones y Cámaras, Modeste Quixart, Todos Obedientes, y más tarde, Joan Josep Zarat.
Muchos Tàpies como Cuixart o Laurent Jiménez-Balaguer, provenientes de la práctica del surrealismo y el Dadaísmo, se adhieren al hecho de que el realismo ya no puede continuar, por muy poético que sea.
Las imágenes académicamente estudiadas, perfeccionadas en la coherencia formal, no pueden representar o representar los deseos, disparates o contradicciones de asociaciones de existencia individual o social que a veces corresponden a apologistas ideológicos: intenciones surrealistas que no encajan en los emblemas de formas existentes. Además, las autorreflexiones y preocupaciones ya no se reflejan en la pareja formal, sino que se vuelven inexactas en sí mismas y solo indican discordia y separación.
Prácticas pictóricas del Informalismo
En esta dirección, cada artista se abandona a la sorpresa de la materia y la aleatoriedad del gesto, rechazando el método tradicional de dibujo y control. Sobre el dibujo y su desarrollo, desde el concepto hasta la obra final, moverse a través de dibujos y proyectos.
Es una «obra abierta» (concepto de Umberto Eco) accesible al espectador a lo largo de su vida. La aventura de la imaginería es completamente nueva: en lugar de partir del significado para construir signos, el artista comienza creando señales y creando una comunicación de sentido. La contribución de la música también creó un arte musical informal.
Características del Informalismo como movimiento artístico
Una de las características fundamentales del Informalismo son las pruebas continuas. Esa máxima sensación de libertad le caracteriza. Asimismo, otras tantas como las siguientes:
- La expresión de documentos es de gran importancia: ponen el tema de trabajo en un segundo plano, enfatizando una vez más la composición.
- La figura desaparece por completo, figurativamente (a excepción de los artistas del grupo de la cobra) y geométricamente.
- La glorificación y la improvisación del zar, rechazo de la construcción predeterminada.
- La figura dibujada sobre lienzo es el producto más intuitivo y rápido posible del trabajo de un artista: el gesto.
- Los procesos y materiales como fundamentos esenciales. Utiliza técnicas como el collage, el raspado y el frotado.
- El uso de nuevos materiales: Sora, Guix, Pebbles, Whip… y una mezcla de ellos. Además, el material es heterogéneo del entorno cotidiano. Utilizar plásticos para ligar materiales, repujado, pintura lisa, degoteig, forat, arado, destrucción de masillas y vitelas por medios manuales, químicos, mecánicos y por proyector.
- Colores diferentes. La forma, el color y la composición dependen de la textura, que es capaz de expresar una amplia gama de emociones.
La base ideológica está íntimamente relacionada con el existencialismo. La personalidad del artista se expresa fuertemente a través de las técnicas o materiales utilizados: la expresión de sentimientos y emociones, el estado de ánimo. El artista recoge aspectos de la realidad exterior y del mundo interior que la rodea. Los artistas de la posguerra se preocuparon por la fragilidad de la casa, su estado, su total destrucción al mirar al exterior.
Artistas representativos del arte informal
A pesar de que el Informalismo se haya vinculado fuertemente con el Expresionismo Abstracto americano, especialmente gracias a su forma de expresión gestual y matérica, a la improvisación y el azar, así como esa subjetividad individual que le caracteriza, se diferencian no solo por lo geográfico, sino también en que el Informalismo lleva en sí conceptos más íntimos y poéticos como forma de expresión en sus lienzos. Algunos de los que más le representaron fueron Antoni Tápies y Henri Michaux.
Antoni Tàpies, España (1923 – 2012)
Antoni Tàpies se convirtió en uno de los artistas más importantes de España de la segunda mitad del siglo XX, siendo además uno de los representantes fundamentales del informalismo.
Antoni Tàpies i Puig nació el 13 de diciembre del año 1923 en Barcelona, España, y falleció el 6 de febrero del año 2012 en la misma ciudad. Además de ser pintor, fue también escultor y teórico del arte español. Creció en un ambiente liberal gracias a su oligarca familia. Desde los once años de edad, condicionado por alguna crisis que más tarde desarrollaría en su obra, inició su vocación artística.
A pesar de que en Barcelona su obra se evocó hacia el surrealismo catalán, fue en París en la década de los 50’ que comienza a desarrollar con mayor fervor el arte informal. Su estilo cada vez más matérico en el que introduce materiales perecederos o reciclados, incluyendo desde papeles, polvo de mármol, cuerdas, hasta paja y arena.
Sus grandes influencias van desde el budismo, hasta la filosofía de Nietzsche, de la que muestra sus más grandes creaciones de paredes con signos distintivos como números, letras, asteriscos, lunas, figuras geométricas, cruces y más; empleando al mismo tiempo tonalidades frías y terrosas.
Su obra se fundamenta en una construcción donde el paso del tiempo es lo que más se refleja. Gracias a los materiales que emplea de manera consciente, surge una rápida degradación que caracteriza su obra.
Henri Michaux, Francia (1899 – 1984)
Otro de los artistas que estuvo ligado al Informalismo o Arte Informal fue el pintor y poeta francés Henri Michaux, también vinculado al tachismo. El artista se nacionalizó francés, aunque nació en Namur, Belga, el 24 de mayo del año 1899, y falleció en París cuando tenía 85 años, el 19 de octubre del año 1984.
De joven se preparó para ser médico, aunque tal carrera él mismo la abandonó para irse a la marina mercante francesa. Gracias a esto, logró viajar por muchos países a nivel mundial. Al culminar con esta carrera, se residenció en París, donde comenzó a relacionarse con el surrealismo de los años 20.
A pesar de Michaux era un poeta nato, las artes plásticas comenzaron a atraparle, hasta que decidió considerar esto una práctica realmente seria al final de la década de los 30’. A pesar de haberse residenciado en París, sus viajes no dejaron de ser una constante en su vida, especialmente hacia América Latina, donde no solo se rodeó de grandes amistades, sino de la mescalina (alucinógeno proveniente de plantas originarias de México) que sería de gran influencia en su obra.
Michaux no solo se inspiró en poetas como Baudelaire e incluso Walter Benjamin tanto para su creación poética como plástica, sino que también consiguió en los alucinógenos una fuente de inspiración que se harían constante en su obra. Éstas, a menudo hablan de diversas drogas como el cannabis, entre otros alucinógenos.
La obra desarrollada por el artista francés de origen belga, configuró una suerte de anticipo ante el action painting desarrollada por Jackson Pollock gracias a su estilo caligráfico, -quizás inspirado en sus viajes por Latinoamérica- recuerdan a pictogramas de antiguas civilizaciones, pero que al mismo tiempo generan características propias del Informalismo.
