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El arquitecto Philip Cortelyou Johnson nació el 8 de julio de 1906 en Cleveland, Ohio y falleció el 25 enero 2005 en New Canaan, Connecticut. Su obra se puede encuadrar en el estilo internacional, el clasicismo y el monumentalismo. Tenía una gran habilidad para identificar las tendencias estilísticas en arquitectura y también se dejaba llevar por las mismas, algo que se ve reflejado en sus proyectos.
Su primera carrera no fue arquitectura, sino filosofía en Harvard. Tras acabarla, su primer trabajo lo obtuvo en 1932 como director del Departamento de Arquitectura del conocido Museo de Arte Moderno (MoMa) en Nueva York. Allí organizó la primera exposición de arquitectura que se celebraba en el museo: «Modern Arquitecture: Internacional Exhibition»/»Arquitectura moderna: exhibición internacional». En ella se centraba el foco de atención en las obras ya construidas de arquitectos procedentes de países como Austria, Alemania, Bélgica, Francia, Inglaterra, Italia, Holanda, España, Japón, Suecia, Suiza, la Unión Soviética y también norte américa. Algunos de ellos fueron Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Walter Gropius, Alvar Aalto o Mies van der Rohe, con quien trabajaría posteriormente.
Gracias a esta exposición escribió, junto con Henry-Russell Hitchcock, el manifiesto «El estilo internacional: arquitectura desde 1922» con el fin de ofrecer una definición del estilo que se estaba creando desde el final de la I Guerra Mundial que fuera de validez internacional.
Fue en 1940 cuando comenzó a estudiar arquitectura en Harvard, donde estudió con otros arquitectos como Marcel Breuer y Walter Gropius. En 1941 realizó su primera obra, una vivienda en el Distrito Histórico de Ash Street en Massachusetts, Estados Unidos, influenciada por la obra de Mies van der Rohe.
Tras realizar el servicio militar durante la II Guerra Mundial, en 1946 regresó al MoMa y ocupó de nuevo el cargo de director del Departamento de Arquitectura hasta 1954. Durante este periodo, comenzó a desarrollar algunas de sus obras más reconocidas, como la Casa de Cristal. También publicó en estos años la monografía Mies van der Rohe (1947).
En 1978 fue galardonado con la medalla de oro del American Institute of Architects, y al año siguiente, se convirtió en el primer premiado del Pritzker Architecture Prize. En palabras de esta organización, su trabajo «demostró una combinación de cualidades como el talento, la visión y el compromiso que proporcionaron contribuciones consistentes y significativas al a la humanidad y el medio ambiente», queriendo premiarle también por «50 años de imaginación y vitalidad encarnadas en una mirada de museos, teatros, bibliotecas, casas, jardines y estructuras corporativas».
Obra arquitectónica
Uno de los trabajos claves del artista, y que también supuso el despegue de su carrera, fue la icónica Casa de Cristal o Glass House, que fue su residencia en New Canaan, Connecticut, de 1949.
En 1991, en una entrevista en nombre del National Trust for Historic Preservation, Philip Johnson explicó que la casa surge de una conversación entre él y Mies van der Rohe sobre cómo se podría construir una casa de cristal. En palabras de Johnson, «cada uno de nosotros construyó una. La de Mies fue, por supuesto, primaria (en referencia a la Casa Farnsworth) y la mía fue una adaptación del maestro.
En mi caso, hay muchas influencias históricas. La Casa de Cristal es una mezcla estilística de Mies van der Rohe, Malevich, el Parteón, el Jardín inglés, todo el movimiento romántico y la asimetría de del siglo XIX». Esta casa también es un buen ejemplo del estilo internacional. La casa cuenta incluso, para su decoración, muebles diseñados por Mies.
En cuanto a sus materiales, fueron pocos los utilizados y minuciosamente escogidos. La casa es un rectángulo, con 16.76 metros de largo, 10.05 de ancho y 168 metros cuadrados de dimensiones, en el que el contorno está realizado en acero pintado en negro y sus paredes son de vidrio.
Se trata de una casa cuyos espacios son abiertos, a excepción del baño, que se encuentra en el interior de un cilindro de ladrillo (atravesado en el interior) que contiene a su vez la chimenea. Este elemento, junto con gabinetes bajos de nogal, también permite separar el dormitorio de la cocina, el salón y el comedor, conectados entre sí. El suelo de la casa es también de ladrillo, como el soporte de diez pulgadas que la separa del suelo.
En el documental “Philip Johnson: Diary of an Eccentric Architect (1996)” el arquitecto explicó que en la casa “siempre estás rodeado de un fabuloso papel de pared, es un papel de pared muy caro, pero es muy bonito, especialmente en esta época del año” refiriéndose a los árboles que la rodean y actuando como muros colindantes, aportando privacidad a la vivienda.
Eso sí, el arquitecto fue claro: «No construyas una casa de cristal si te preocupa ahorrar dinero en calefacción».
Esta casa se incluye en su periodo modernista, en el que se agrupan todas sus obras desde 1949 a 1979. En este periodo también encontramos otros proyectos relacionados con la vivienda, como su colaboración en la Casa de huéspedes Rockefeller (Manhanttan, Nueva York) de 1950, que también fue su residencia , o la Casa Beck en Dallas, Texas (1964).
La Arquitectura Modernista, ¿el primer Estilo Internacional?
Su trabajo para la Torre Seagram en Nueva York (1958) también se enmarca en este periodo. El proyecto corrió a cargo de Mies van der Rohe, pero Philip Johnson fue el co-arquitecto de la obra y se encargó de amueblar las oficinas que albergaba el edificio, así como también diseñar los que fueron los restaurantes Four Seasons y Brasserire.
Durante esta etapa, Philip Johson también estuvo ligado a la construcción de centros culturales. En 1960 construyó el Museo de Arte, segundo edificio del Instituto de Arte Munson-Williams-Proctor (MWPAI) en Utica. Su experiencia como director del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMa de Nueva York le valió para el diseño de ampliación del MWPAI. A pesar de tener una fachada opaca en granito gris oscuro, el interior cuenta con mucha luz, ya que es proporcionada de forma cenital a través de un lucernario situado en el techo.
En la parte exterior también se visualizan cuatro vigas de hormigón armado posicionadas desde la parte superior del edificio hasta el pedestal de vidrio sobre el que se encuentra posicionado la fachada de hormigón.
De esta forma, para acceder al interior desde la calle Genesee Street, deben subirse unas escaleras. Al entrar, el visitante se encuentra con un interior a dos alturas determinado por un núcleo central, el Edward Wales Root Sculpture Court, dedicado a eventos, exposiciones y en el que también pueden verse esculturas.
Para acceder al segundo nivel, Jonhson diseñó dos escaleras simétricas de inspiración neoclásica. La planta inferior, rodeada por un foso seco, contiene el auditorio. Johnson creó un acceso propio a este nivel a través del aparcamiento. El arquitecto, a la hora de diseñar el que fue su primer museo, tuvo como máxima la simplicidad sin dejar de lado la elegancia.
El Museo Amon Carter de Arte Americano fue diseñado en 1958 y construido 1961 en Fort Worth, Texas. El museo, dedicado a la exhibición de las obras de Amon Carter, también fue destinado a ser un lugar conmemorativo del artista. El edificio se compuso, en un principio, de una fachada en piedra nativa de Texas, detalla con secciones talladas en forma de concha.
La entrada se compone de una cristalera de vidrio y delante de esta cinco arcos en la misma piedra nativa de Texas, que aporta luz natural al interior del museo. La puerta de entrada al edificio se sitúa en el arco central, y justo delante de este, se encuentran unas escaleras con descansillos flanqueadas por jardines. Johnson también aprovechó para situar delante del edificio una plaza con una explanada central hundida cubierta de hierba.
El interior recuerda a su anterior museo, compuesto por un vestíbulo a modo de recibidor desde el que se puede ver el segundo piso del museo, aunque para el acceso a este se debe hacer a través de las escaleras situadas en el interior del edificio. En los años 1964, 1977 y 1999 se realizaron ampliaciones del edificio para poder albergar más espacios como una biblioteca, una librería y oficinas, contando finalmente desde 2001 con una superficie de 4.645 metros cuadrados en total.
En 1964 diseñó el Teatro David H.Koch (antes denominado Teatro del Estado de Nueva York), situado en el Lincoln Center de Manhattan y diseñado con un estilo modernista. No fue su única contribución a este centro, sino que también diseñó la Fuente Revson, situada en la Josie Robertson Plaza. Tuvo gran relevancia ya que era la fuente tecnológicamente más avanzada de Nueva York construida hasta el momento.
El arquitecto también colaboró en la reconstrucción del Edificio Gulf & Western en Nueva York, destinado a ser lo que hoy se conoce como la Trump International Hotel & Tower, propiedad del ex presidente y empresario Donald Trump.
Para este proyecto, Philip Johnson, en conjunto con Alan Ritchie, diseñaron la actual fachada, compuesta de cristal tintado de color cobre y conservando la estructura de acero del edificio original, de 176 metros de altura.
La obra de Philip Johnson también se expande a la creación de espacios de culto como la Capilla Rothko en Houston, Texas. John y Dominique de Menil, coleccionistas de arte, le encargaron el proyecto a Johnson en 1964 aunque fueron los arquitectos Howard Barnstone y Eugene Aubry los que lo terminaron. La capilla contiene obras del artista Mark Rothko, encargadas por los promotores para este espacio, y por ello, trabajó en conjunto con el arquitecto, aunque debido a diferencias, Johnson se retiró del proyecto. No obstante, fue obra suya la orientación de la capilla, parte del trabajo de iluminación.
Consta de una planta octogonal, aunque el edificio está construido con una estructura de cruz griega, queriendo hacer del espacio un lugar donde el arte abstracto y la religión confluyeran con la arquitectura. Su fachada es de ladrillo tostado en su totalidad, y la iluminación es proporcionada solamente a través de un tragaluz.
En frente de la entrada, el visitante encuentra un estanque que contiene la escultura de acero de Barnett Newman dedicada al reverendo Dr. Martin Luther King, el Obelisco Roto (o Broken Obelisk). El interior está dotado de un ambiente solemne y minimalista, en el que se pueden encontrar siete obras de Rothko (cada una en una pared) y cuatro bancos en cruz. La capilla fue terminada en 1971.
El arquitecto también fue el encargado de diseñar la Plaza de Acción de Gracias en Dallas, Texas. En este espacio, se encuentran cinco áreas: el Tribunal de todas las naciones, el Patio central de alabanza, el Grove, el Salón de Acción de Gracias y la Capilla de Acción de Gracias.
Esta última construcción refleja a la perfección la intencionalidad de construcción de todo el espacio: un lugar en el que se diera cabida a todas las religiones. Se trata de una obra muy característica del arquitecto, ya que está construida en forma de espiral ascendente (con 27,5 metros de altura) queriendo representar el ascenso del espíritu humano.
La Catedral de Cristal en Garden Grove, California, fue encargo del televangelista Robert H. Schuller, terminada en 1980. Se trata de una catedral con planta en forma de estrella de cuatro puntas, de 39 metros de altura y 63 de ancho, cuya fachada está revestida con un número de paneles de vidrio templado que supera los 10.000.
La construcción está diseñada con el fin de que se pudiera estar en contacto con el cielo, y además teniendo en el contexto en el que se encuentra: una zona sísmica. Se ha comprobado que podría resistir a terremotos de hasta 8 en la escala de Richter.
La etapa final de su obra se enmarca dentro de la arquitectura posmoderna. En ella podemos encontrar construcciones como la conocida actualmente como Torre Sony en Manhattan, Nueva York. Finalizada en 1984, es un edificio de oficinas, de estilo posmoderno, que fue encargado por la empresa de telecomunicaciones AT&T.
Conocido inicialmente como Edificio AT&T su construcción generó mucha controversia por sus dimensiones, pero finalmente se aceptó su construcción a cambio de que la construcción incluyera un espacio público. Toda la fachada está construida en granito de color rosa grisáceo.
El edificio está dividido en tres secciones: la tapa, el cuerpo (destinado a las oficinas) y la entrada. Esta última se caracteriza por un arco de 9,14 metros de altura, flanqueado por tres cristaleras a cada lado, rompiendo así la estética de la fachada.
En el cuerpo, se puede apreciar la combinación del granito con las cristaleras de las oficinas. Johnson quiso rematar la parte superior del edificio en forma triangular y en el vértice central, ubicó una curva convenxa, como si de un cajón «Chippendale» se tratase, dotándole de un estilo posmodernista al edificio y convirtiéndolo en un edificio de referencia de este nuevo estilo.
También en 1984 finalizó el proyecto de construcción de un complejo empresarial para PPG Insdustries, el denominado como PPG Place. Está constituido por seis edificios con distintas alturas, todos caracterizados por la forma en la que están rematados: agujas de cristal.
Entre todos suman un total de 231 y sus fachadas están revestidas de cristales de vidrio. La construcción más alta del complejo tiene una altura de 193,55 metros y contiene 40 plantas.
El Edificio Lipstick fue diseñado por Philip Johnson y John Burgee para el 885 de la Tercera Avenida de Nueva York en 1986. A pesar de que su denominación oficial es «53rd at Third«, su inmenso parecido a un pintalabios hizo que se le conozca popularmente con el otro nombre.
Esta similitud viene dada por la estructura (de acero y hormigón) del edificio: tres cuerpos ovalados de distinto tamaño.
Estos se sitúan verticalmente de mayor a menor tamaño. No obstante, la base que sustenta el cuerpo más grande está compuesta por columnas que rodean un espacio ovalado más pequeño que el cuerpo principal. La fachada está compuesta por bandas horizontales de granito rojo y vidrio enmarcado en acero y aluminio. Consta de 34 plantas y 138 metros de alto.
La obra del arquitecto también se extiende fuera del continente americano, como es el caso de las Torres Puerta de Europa de Madrid, aunque se las conoce popularmente como Torres KIO (por el nombre de la empresa de Kuwait que en gran parte las promovió ).
La principal característica de estas torres gemelas es la inclinación de 14,3 grados que tiene cada una. La torre este, perteneciente a la empresa inmobiliaria Realia, se inclina hacia el oeste. La torre perteneciente a Caixabank, situada en el oeste, se inclina hacia el este. Ambos rascacielos tienen forma de paralelepípedos de casi 114 metros de altura.
Para conseguir la inclinación de las torres, la firma Leslie F. Robertson Associates, encargada del diseño estructural, incluyó un núcleo de hormigón armado, sobre el que recae la mayoría de las cargas y elementos triangulares de acero inoxidable, situados en forma de cruz sobre las caras interior y exterior. En las laterales se sitúan de forma vertical. Además, la fachada también está revestida de vidrio y aluminio. Aunque su construcción comenzó en 1990, a los dos años hubo que pararla con motivo de la crisis. Finalmente se inauguraron en 1996.
