El Arte Povera fue el movimiento de vanguardia más significativo e influyente que surgió en Europa en la década de 1960 (1962 a 1972). Agrupa la obra de una docena de artistas italianos cuyo rasgo más distintivo es el uso de materiales cotidianos que pueden evocar una época preindustrial, como la tierra, las piedras, la ropa, el papel y la cuerda.

Este trabajo de vanguardia representa una reacción contra la pintura abstracta moderna que dominó el arte europeo en la década de 1950, y gran parte del trabajo del grupo es escultura.

El arte povera rechazó el minimalismo

Sin embargo, rechazó la simplificación (Minimalismo) estadounidense, especialmente lo que atribuye a su entusiasmo por la tecnología. En este sentido, el Arte Povera encarna las tendencias posminimalistas del arte americano de los años 60. Pero a diferencia del modernismo y la tecnología, además de evocar el pasado, la localidad y la memoria, el movimiento es completamente italiano.

Se trata de materiales rudimentarios y de fácil acceso que parecen no tener valor. El movimiento artístico presenta de forma concisa un fuerte rechazo a la industrialización, e invita al espectador a reflexionar sobre la relación entre los materiales, el proceso de creación y el propio artista. El uso de materiales en su estado más puro.

La positiva reacción del público ante el arte pobre

La nueva corriente artística recibe gran reconocimiento internacional, por lo que es aceptada casi de inmediato. Más concretamente, su fama se pone de manifiesto en la exposición de Arte Povera y Arte Conceptual «Cuando las actitudes se convierten en forma», organizada por Szeemann en la Kunsthalle de Berna en 1969. Desde entonces, este movimiento ha llamado la atención de los amantes y conocedores del arte.

El arte povera rompe los cánones del arte tradicional

Como ya se ha mencionado, el Arte Povera se centra en la confrontación con el arte tradicional –como toda vanguiardia-, el cual se ha visto limitado por las técnicas y los materiales utilizados habitualmente en su práctica. Asimismo, el movimiento pretende rechazar todos aquellos iconos de los medios de comunicación de masas y del arte pop; es decir, acabar con el sistema de comercialización de las galerías de arte contemporáneo.

El Arte Povera basa su trabajo en dos aspectos fundamentales: en primer lugar, los materiales utilizados y, en segundo lugar, la manipulación y la disposición de los materiales.

Se puede decir que el movimiento da un valor especial a la materia prima natural. Una característica importante inherente a estas obras, es que sus materiales sufren cambios con el tiempo. Los elementos deterioran y transforman la obra, debido a la naturaleza de los materiales. Además, el artista requiere gran habilidad y creatividad para reutilizar y transformar el material en arte. Es un modelo bastante extremo que rompe definitivamente con la comercialización.

Principales exponentes del arte povera

A pesar de que el máximo auge del arte povera se dio en tan solo una década, fueron diversos los artistas que trabajaron en torno a esta nueva vanguardia artística, especialmente italianos, de donde nace precisamente. Algunos de los más importantes son los siguientes.

Mario Merz 1925 – 2003 Italia

El artista italiano Mario Merz, nació en Milán el 1 de enero del año 1925, y falleció en Turín el 9 de noviembre del año 2003. Fue destacado por su participación activa en la política. Merz es uno de los artistas más representativos del movimiento; sus obras se centran en la denuncia de la sociedad de consumo, cuyo concepto socioeconómico se deriva de los estados industrializados o de la producción capitalista.

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Exposición de Mario Merz. Dominio público vía Wikimedia Commons.

Merz es de los más famosos, primordialmente por sus iglús, los cuales se han convertido en su marca característica. Se fabrican con diversos materiales, como arcilla, ramas, cera y carbón. Sus obras muestran un uso consciente de los materiales orgánicos, además de criticar la modernidad del consumismo. Una sociedad centrada en la acumulación de objetos que separan a las personas de los espacios naturales.

Otra característica de las obras de Merz, es que el artista utiliza con frecuencia la sucesión de Fibonacci. Esta sucesión se originó en Europa y fue descrita por Leonardo de Pisa, un matemático italiano. La sucesión de Fibonacci es una serie de números naturales que se suman a partir de 2, 0 y 1. Y así sucesivamente, hacia el infinito. Una inspiración simbólica para hablar del progreso social y su relación con el arte.

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Exposición de Mario Merz en el Palacio de Velázquez. Dominio público vía Wikimedia Commons.

Entre sus obras más conocidas está el Iglú Giap, esculpido por Merz en 1968. Está construido con sacos rellenos de tierra, sobre los que hay luces de neón. Otras obras conocidas son el Iglú con árbol, realizado en febrero de 1969 en L’Attico por Fabio Sargentini, y el Iglú del Palacio de las Alhajas, construido en 1982 con metal, vidrio, cuarzo, pizarra, arena de río y ramas.

Jannis Kounellis 1936 – 2017 Grecia

Jannis Kounellis nació en El Pireo (Grecia) el 23 de marzo de 1936, y falleció el 16 de febrero del año 2017 en Roma, Italia. Kounellis fue conocido inicialmente como artista griego contemporáneo, pero más tarde se decantó por el Arte Povera y, junto con Merz, se convirtió en uno de los más importantes exponentes del movimiento.

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La instalación Santa Fe fue creada por Kounellis en 2005 en la isla de Borromeo, Stresa, y en 2007 en Nueva York. Anteriormente, ya en 1967, en Roma, en la Galleria l’Attico, presentó cactus similares a los fotografiados pero sin la presencia de rollos de plástico. Dominio público vía Flickr.

Kounellis había vivido la mayor parte de su vida en Grecia, pero se trasladó a Roma cuando tenía 20 años, atraído por el arte italiano, y fue allí donde continuó su formación en la Accademia di Belle Arti de Roma.

Instalación de Jannis Kounellis, Senza titolo (Progetto Sidney) [Sin título (Proyecto para Sidney)], 2008, en Cockatoo Island para la 16ª Bienal de Sidney 2008. Dominio público vía Flickr.

El artista decidió cambiar la pintura y el lienzo por el arte povera, principalmente porque le permitía explorar otros formatos con mayor libertad. Sus obras se identifican por el uso de objetos inanimados, tanto como de seres vivos. Entre los elementos que utiliza el artista están los animales vivos, el fuego, la tierra, el lienzo e incluso el oro. Dentro de su categoría, Kounellis es uno de los artistas más controvertidos por su inclinación a incorporar animales en sus obras.

Sin título de Jannis Kounellis (1979). Tate Modern. Bankside, Londres. Dominio público vía Wikimedia Commons.

Entre sus obras más importantes se encuentra Sin título, de 1968, realizada principalmente con madera y lana teñida de azul. El azul utilizado se inspira en los recuerdos de su país natal, Grecia. En el caso del uso de animales, una de sus obras más enigmáticas es Sin título. Doce caballos vivos. La obra radicaba en doce caballos atados a las columnas de la galería, tal como lo indica su título. Y como afirma Kounellis, su objetivo era mostrar al caballo en un contexto artístico, pero vivo.

Luciano Fabro 1936 – 2007 Italia

Otro exponente que formó parte del primer grupo del movimiento fue Luciano Fabro. Nació el 20 de noviembre de 1936, y falleció el 22 de junio del 2007 en su país natal. Fue un escultor, artista conceptual y escritor italiano.

La obra de Luciano Fabro contribuyó a redefinir los límites de la escultura, y aunque al principio se identificaba más con su arte conceptual y el uso de materiales nobles, a partir de 1967 comenzó a ampliar sus recursos a materiales no convencionales como el mármol y la seda, y a materiales pobres como tubos de acero, periódicos y cera.

Al igual que los otros artistas mencionados, las obras de Fabro han sido críticas con la industrialización y la sociedad de consumo; por supuesto, sin renunciar a la estética de su arte. El escultor pretendía reflexionar sobre los problemas clásicos de la historia de la práctica escultórica y la aprehensión del espacio.

Entre sus obras se encuentra una serie de trabajos sobre Italia llamada Italia invertida. Se crearon a partir de 1968 y se inspiraron, como es de imaginar, en la forma geográfica del país. Otra propuesta fundamental para la reflexión sobre la relación entre la escultura y el espacio fue su serie de obras Pies.

Michelangelo Pistoletto 1933 Italia

Michelangelo Pistoletto es originario de la región italiana del Piamonte, nació el 25 de junio de 1933. Es artista y teórico primordialmente del arte italiano; así como sus antecesores, está considerado como uno de los principales y más importantes representantes del Arte Povera. En la gran mayoría de sus obras, Pistoletto trabaja con el happening, que es una manifestación artística multidisciplinar que comenzó en 1950.

Detalle de Venus de los trapos, de Michelangelo Pistoletto. Dominio público vía Flickr.

El happening busca la participación espontánea del público, del espectador, y suele ser efímero, por lo que suele ser algo temporal. A través del happening y de los materiales que utiliza, Pistoletto invita a una reflexión crítica sobre los medios que utiliza el arte para construir sus escenas.

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Diecisiete menos uno en La Biennale di Venezia. Venecia, Italia, 09-2009. Dominio público vía Flickr.

Los materiales que utiliza son comunes, de la vida cotidiana, como ropa, periódicos, madera e incluso cartón. Otro elemento distintivo de su obra es el uso de espejos. El artista dispone los espejos de diferentes maneras, todas ellas en función del concepto y/o la finalidad de la obra. Pistoletto también empezó a incorporar trozos de tela o ropa en sus obras y a crear muros con ladrillos envueltos en tela.

Giovanni Anselmo, 1934 – Italia

El escultor italiano Giovanni Anselmo nació el 5 de agosto del año 1934. El objetivo de su obra es acercarse al estado más puro de la materia orgánica e inorgánica, lo que le ha convertido en miembro del grupo de artistas del movimiento.

Al igual que los mencionados anteriormente –y los que siguen-, Anselmo utiliza materiales simples/pobres para crear su arte. La mayoría son elementos que se encuentran en la naturaleza, como troncos, tierra, cuerda, hierro y piedras. Y no sólo eso, ya que también podemos encontrar materiales como el granito e incluso la piel de animales.

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Struttura che mangia (1968), pieza de granito sujeta a otra pieza de granito con una lechuga marchita. Dominio público vía Flickr.

Dado el uso de sus materiales, el escultor basa sus obras en la durabilidad. Anselmo tiene un especial interés por el mundo natural, y esto se refleja en sus obras. Un tema recurrente es la mutación y la longevidad.

Algunas de las obras del escultor son Sin título (1968) Estructura comiendo. La escultura está formada por dos bloques de granito y uno de ellos tiene una lechuga encima, lo que significa que, como la lechuga, la obra puede morir o durar tanto como el granito. Otras obras que utilizan recursos naturales son Trescientos millones de años, Earth Line 1970, Direction 1978 y Greys Lightening to the Beyond.

Pino Pascali 1935 – 1968 Italia

Pino Pascali nació el 19 de octubre de 1935 y fue un artista, escultor y escenógrafo italiano; falleció a los 33 años en Roma. Estudió en la Accademia di Belle Arti de Roma y, casi una década después, Pascali celebró su primera exposición individual en la Galleria La Tartaruga de Roma.

En general, Pascali ha sido asociado con el posminimalismo y, por supuesto, con el movimiento del Arte Povera. En sus obras, el artista reflejó diversas referencias a la cultura popular de la época y a los elementos bélicos presentes en su infancia.

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La exposición Pino Pascali. De la imagen a la forma (Palazzo Cavanis, Venecia). Dominio público vía Flick.

Las obras de Pascali consisten en esculturas falsas, incluyendo una serie de armas y reconstrucciones de la naturaleza. En cuanto a las esculturas falsas, se presentaron en la Galería L’Attico de Roma. Son una serie de lienzos con formas que dan la ilusión de ser esculturas sólidas, pero con un enfoque más detallado son en realidad pinturas. 

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Trampa de Pino Pascali. Dominio público vía Wikimedia Commons.

Weapon es la otra serie del artista en la que las armas se recrean fielmente con todo detalle. Sin embargo, a diferencia de un arma real, sus obras no pueden matar. La inspiración proviene de los juguetes de su infancia, principalmente basados en la guerra.

Otra obra conocida del artista es Puente, que forma parte de Reconstrucciones de la naturaleza: además de Puente, una de sus últimas series y la más ambiciosa de sus obras. El puente tiene la apariencia de un puente de cuerda algo primitivo, pero en realidad está construido de acero.

Giuseppe Penone 1947 Italia

Giuseppe Penone nació el 3 de abril de 1947. Es un artista y escultor italiano reconocido por elaborar esculturas de gran tamaño. Estudió escultura en la Accademia Albertina de Turín, donde se graduó. Penone fue asociado con el movimiento Arte Povera por los materiales y el concepto de sus primeras obras.

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In Limine de Giuseppe Penone. Dominio público vía Wikimedia Commons.

Para el artista, su objetivo es expresar a través de sus obras el vínculo que existe entre el mundo natural y el hombre. Además, el escultor presta especial atención a los procesos y al uso de los recursos naturales.

Debido a su enfoque y uso de materiales naturales, Penone forma parte del selecto grupo de representantes del Arte Povera. En 1969, fue catapultado como uno de los principales exponentes del movimiento una vez que sus obras fueron expuestas en la publicación de Germano Celant. En sus obras se presentan elementos como la arcilla, la piedra, el metal y la madera, donde se aprecia la unificación del arte con la naturaleza.

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Un árbol en el bosque, de Giuseppe Penone. Dominio público vía Flickr.

Algunas de las obras de Giuseppe Penone son Bread Alphabet, que consiste en una barra de pan y en el centro contiene letras de metal con las palabras Write/Law/Remember. Otra obra muy conocida es Los años del árbol más uno, que consiste en una rama cubierta de cera.