Arthur Danto y el fin de la narrativa histórica del arte

«Después del fin del arte: El arte contemporáneo y el linde de la historia» de Arthur Danto, publicado en 1997, propone una de las tesis más provocadoras sobre el arte contemporáneo: que el arte entró en una fase poshistórica donde ya no existe una narrativa maestra que lo impulse hacia adelante. Danto, filósofo y crítico de arte en The Nation durante décadas, argumenta que el arte alcanzó una especie de autoconciencia filosófica que marca el fin de su desarrollo histórico tal como lo habíamos conocido desde el Renacimiento.

La tesis de Danto no significa que el arte dejó de producirse o que perdió su valor. Más bien, sostiene que el arte ya no necesita seguir una dirección histórica particular, que no hay un siguiente paso necesario en la evolución del arte. Después de las vanguardias del siglo XX y particularmente después del pop art de Andy Warhol, el arte se liberó de la teleología —de la idea de que debía avanzar hacia un objetivo predeterminado— y entró en un periodo de pluralismo radical donde todo es posible.

El momento crucial, según Danto, ocurrió en 1964 cuando vió las Brillo Boxes de Warhol en la Stable Gallery de Nueva York. Estas cajas de detergente reproducidas exactamente eran perceptualmente indistinguibles de las cajas reales del supermercado, pero una era arte y la otra no. Esta pregunta —¿qué hace que algo sea arte cuando no hay diferencia visual con un objeto ordinario?— llevó a Danto a desarrollar su teoría sobre la naturaleza filosófica del arte y sobre el fin de su desarrollo histórico.

Dos décadas después de su publicación, «Después del fin del arte» sigue generando un debate intenso. Para algunos, la tesis de Danto captura perfectamente la condición del arte contemporáneo: su pluralismo, su falta de dirección unificada, su libertad de las restricciones históricas. Para otros, la idea del «fin del arte» es demasiado eurocéntrica, demasiado enfocada en la escena artística de Nueva York, insuficientemente atenta a desarrollos fuera del mundo del arte occidental institucional.

Arthur Danto: del filósofo analítico al crítico de arte

Arthur Coleman Danto (1924-2013) tuvo una trayectoria intelectual única que combinó la filosofía analítica académica con la crítica de arte periodística. Formado en filosofía en Columbia University, Danto trabajó principalmente en epistemología, filosofía de la acción y filosofía de la historia antes de volverse hacia la estética. Su entrada en el mundo del arte vino relativamente tarde: en 1984, a los 60 años, se convirtió en crítico de arte de The Nation, posición que mantuvo hasta 2009.

Esta doble identidad —filósofo analítico y crítico de arte— configuró su aproximación distintiva. A diferencia de críticos formados en historia del arte, Danto abordaba el arte desde las preguntas filosóficas fundamentales: ¿qué es el arte? ¿Cómo lo distinguimos de lo que no es arte? ¿Qué significa para algo ser una obra de arte? Estas preguntas, que parecen abstractas, adquieren urgencia cuando nos enfrentamos a un urinario firmado (Duchamp) o a cajas de supermercado en una galería (Warhol).

El encuentro de Danto con las Brillo Boxes en 1964 fue una revelación filosófica. Si dos objetos pueden ser perceptualmente idénticos pero uno es arte y el otro no, entonces la diferencia no puede estar en las propiedades visuales. Debe estar en algo más: en el contexto, en la teoría, en la historia, en lo que Danto llamaría más tarde el «mundo del arte». Esta observación, aparentemente simple, tiene consecuencias profundas para cómo entendemos la naturaleza del arte.

La formación filosófica de Danto también lo conectó con la tradición hegeliana. Georg Wilhelm Friedrich Hegel, el filósofo alemán del siglo XIX, había propuesto que el arte tenía una historia con dirección y objetivo: el arte progresaba hacia la autoconciencia del espíritu. Hegel también había proclamado, de manera controvertida, el «fin del arte» —no su desaparición sino su cumplimiento, el momento en que alcanzó su propósito filosófico. Danto reinterpretaría esta idea hegeliana para el arte contemporáneo.

Como crítico de arte para The Nation, Danto escribió centenares de ensayos sobre exposiciones contemporáneas, artistas emergentes y tendencias del mercado del arte. Esta inmersión en la práctica artística contemporánea informó su filosofía, manteniéndola conectada con realidades concretas del mundo del arte en lugar de permanecer en la abstracción académica. La combinación de rigor filosófico y atención a la práctica artística real es lo que hace que el trabajo de Danto sea tan valioso.

La tesis central: el arte después de la historia

La tesis de Danto sobre el fin del arte requiere clarificación cuidadosa porque el término es fácilmente malinterpretado. Danto NO argumenta que el arte dejó de producirse, que perdió su valor, o que entramos en un periodo de decadencia artística. El «fin del arte» se refiere específicamente al fin de una cierta narrativa histórica sobre el arte, al fin de la idea de que el arte debe desarrollarse en una dirección particular.

Según Danto, el arte occidental desde el Renacimiento había seguido una narrativa de progreso hacia el naturalismo, hacia la representación cada vez más convincente de la realidad visual. Esta narrativa alcanzó su apogeo en el siglo XIX con el realismo y la fotografía. Pero entonces el arte moderno rompió con esta trayectoria: el impresionismo abandonó el dibujo preciso, el cubismo fragmentó la forma, la abstracción eliminó la representación completamente.

El modernismo, especialmente como lo articuló Clement Greenberg, propuso una nueva narrativa: el arte debía progresar hacia la pureza del medio, hacia el reconocimiento de las propiedades específicas de cada forma artística. La pintura debía volverse cada vez más plana, más autoconscientemente pictórica. Esta narrativa modernista también tenía una dirección, un objetivo: la planaridad absoluta, la autorreferencialidad completa.

Pero entonces llegó el Pop Art. Warhol y otros artistas pop no se preocupaban por la pureza del medio ni por la autorreferencialidad. Usaban imágenes comerciales, técnicas de reproducción mecánica, contenido banal. Las Brillo Boxes no eran planas en el sentido modernista —eran tridimensionales— pero tampoco eran escultura en sentido tradicional. Eran algo diferente: objetos ordinarios transformados en arte no por cambio visual sino por contexto y concepto.

Este momento marca, para Danto, el fin del arte en el sentido histórico. Después de Warhol, ya no hay una dirección necesaria para el arte. Los artistas pueden trabajar en cualquier estilo, con cualquier medio, hacia cualquier fin. Pueden pintar como en el Renacimiento o hacer instalaciones conceptuales. Pueden ser expresionistas o minimalistas, figurativos o abstractos. Todo es igualmente posible porque ninguna dirección es históricamente necesaria.

Danto llama a este periodo «poshistórico» no en el sentido de que está después de la historia en general, sino después de la historia del arte como narrativa teleológica. El arte continúa, por supuesto, pero sin un guión maestro. Esta es una liberación pero también una pérdida: la liberación de poder hacer cualquier cosa, la pérdida de un sentido claro de dirección y propósito histórico.

El mundo del arte y la teoría institucional

Una de las contribuciones más importantes de Danto a la filosofía del arte es su concepto del «mundo del arte» (artworld). Este término, introducido en un ensayo de 1964, se refiere a la atmósfera de teoría artística, al contexto histórico y conceptual que permite que algo sea visto como arte. Un objeto es arte no solo por sus propiedades intrínsecas sino por su relación con este mundo del arte.

Las Brillo Boxes ilustran perfectamente este punto. Visualmente indistinguibles de las cajas reales del supermercado, lo que las hace arte es su contexto: están en una galería, fueron hechas por un artista reconocido, participan en conversaciones sobre la naturaleza del arte y la cultura de consumo. El mundo del arte —la red de instituciones, teorías, prácticas— es lo que permite esta transfiguración de lo ordinario en arte.

Esta idea conecta con lo que se conoce como «teoría institucional del arte«, desarrollada por filósofos como George Dickie. Según esta teoría, algo es arte si es tratado como arte por las instituciones relevantes del mundo del arte: museos, galerías, críticos, historiadores del arte. Esto puede parecer circular —el arte es lo que las instituciones del arte dicen que es— pero captura algo importante sobre cómo realmente funciona el arte contemporáneo.

Danto matiza esta aproximación institucional añadiendo que no es suficiente que las instituciones declaren algo como arte; debe haber también una interpretación que sitúe el objeto en relación con la historia y la teoría del arte. Las Brillo Boxes son arte porque pueden interpretarse en relación con la tradición del ready-made de Duchamp, con preguntas sobre la reproducibilidad mecánica, con críticas a la alta cultura y la cultura de masas. Sin esta atmósfera interpretativa, serían solo cajas.

Esta comprensión del arte tiene implicaciones radicales. Significa que no podemos definir el arte por propiedades formales o perceptuales. Dos objetos perceptualmente idénticos pueden diferir en que uno es arte y el otro no. Esto desafía siglos de estética que buscaba definir el arte por sus cualidades inherentes: belleza, armonía, expresión. Para Danto, estas propiedades son secundarias; lo primario es la relación con el mundo del arte.

Pluralismo poshistórico: libertad y desorientación

Si el arte ya no tiene una narrativa maestra, ¿qué significa esto para la práctica artística contemporánea? Danto argumenta que entramos en una era de pluralismo radical. Los artistas contemporáneos pueden trabajar en cualquier estilo, recuperar cualquier tradición del pasado, experimentar con cualquier medio. No hay un estilo «correcto» para nuestra época como el modernismo fue supuestamente el estilo correcto para la primera mitad del siglo XX.

Este pluralismo es tanto liberador como desorientador. Es liberador porque los artistas ya no están constreñidos por la necesidad de ser «progresistas», de estar al día con las últimas tendencias, de seguir el desarrollo histórico del arte. Pueden pintar retratos realistas si quieren, o hacer escultura minimal, o trabajar con video digital. Todo es legítimo.

Pero esta libertad también genera ansiedad. Si no hay una dirección histórica, ¿cómo sabemos qué hacer? ¿Cómo distinguimos el trabajo importante del trivial? ¿Cómo escribimos la historia del arte contemporáneo si no hay una narrativa unificadora? El modernismo, con todas sus limitaciones, ofrecía claridad: sabías si estabas avanzando o retrocediendo. El periodo poshistórico ofrece libertad pero no guía.

Danto observa que el arte contemporáneo se caracteriza por la apropiación ecléctica del pasado. Los artistas pueden citar libremente cualquier periodo histórico, mezclar referencias a diferentes tradiciones, trabajar simultáneamente en múltiples estilos. Esta libertad para apropiarse del pasado es posible precisamente porque el pasado ya no nos constriñe. No estamos obligados a seguir una tradición particular; podemos usar todas las tradiciones como recursos.

Esta condición poshistórica también significa que el arte ya no puede definirse por oposición a nada. El modernismo se definía contra el academicismo, las vanguardias contra la burguesía. ¿Contra qué se define el arte contemporáneo? No hay un enemigo claro, no hay una batalla que librar. El arte simplemente es, en toda su multiplicidad desconcertante.

Algunos críticos han argumentado que este diagnóstico es demasiado optimista, que subestima las fuerzas que todavía constriñen la producción artística: el mercado del arte, las instituciones, las expectativas de novedad. Pero Danto insiste en que estas fuerzas son diferentes de las constricciones históricas del pasado. El mercado puede preferir ciertos estilos, pero no hay un imperativo histórico que obligue a los artistas a trabajar de cierta manera.

Críticas y limitaciones: ¿el fin de qué arte?

La tesis de Danto ha generado críticas sustanciales desde múltiples perspectivas. La crítica más fundamental cuestiona el eurocentrismo de su narrativa. Danto cuenta la historia del arte como si fuera primariamente la historia del arte occidental, específicamente la escena artística de Nueva York. ¿Qué pasa con las tradiciones artísticas no occidentales? ¿También experimentaron un «fin del arte»? ¿O la tesis de Danto solo aplica a un segmento particular del mundo del arte global?

Críticos poscoloniales han señalado que la idea de que el arte alcanzó una autoconciencia filosófica en las Brillo Boxes de Warhol asume que el arte occidental es el arte par excellence, que su desarrollo es el desarrollo del arte como tal. Pero hay tradiciones artísticas en Asia, África, América Latina que nunca siguieron la narrativa modernista europea. Para estas tradiciones, ¿qué significa hablar del «fin del arte»?

Una segunda línea de crítica cuestiona si realmente hubo una narrativa maestra del arte que llegó a su fin. Los historiadores del arte han mostrado que la historia del arte siempre fue más múltiple, más contradictoria de lo que las grandes narrativas sugieren. Incluso durante el apogeo del modernismo, había artistas trabajando en estilos no modernistas. La idea de una única dirección histórica puede ser en sí misma un mito que Danto perpetúa incluso mientras lo declara terminado.

Tercera crítica: la tesis del fin del arte puede ser autorrealizante. Si los artistas, críticos e instituciones aceptan que ya no hay una dirección histórica, esto puede volverse una profecía autocumplida. El pluralismo que Danto describe no es una condición natural del arte poshistórico, sino el resultado de ciertas creencias sobre el arte que circulan en el mundo del arte. Si estas creencias cambiaran, la condición podría cambiar también.

Críticos marxistas argumentan que Danto ignora las determinaciones materiales del arte. El aparente pluralismo del arte contemporáneo puede ser menos liberador de lo que parece: refleja las demandas del mercado del arte global que necesita constante novedad y diferencia para generar valor. El «fin del arte» en el sentido de Danto coincide sospechosamente con el triunfo del neoliberalismo y la mercantilización total de la producción cultural.

Finalmente, algunos críticos cuestionan si el énfasis de Danto en la filosofía del arte —en preguntas sobre qué es el arte— captura lo más importante sobre el arte contemporáneo. ¿El arte contemporáneo realmente está tan preocupado por cuestiones ontológicas? ¿O está más interesado en política, identidad, justicia social, ecología? La filosofía del arte de Danto puede ser demasiado abstracta, demasiado desconectada de las preocupaciones concretas de los artistas.

Legado y relevancia: viviendo después del fin

A pesar de las críticas, la tesis de Danto ha tenido influencia profunda en cómo pensamos el arte contemporáneo. Su concepto del mundo del arte se ha vuelto fundamental en la filosofía del arte analítica. Su idea del pluralismo poshistórico captura algo real sobre la condición del arte desde los años 60: la multiplicidad de estilos, la ausencia de una vanguardia claramente definida, la libertad de apropiarse de cualquier tradición.

El trabajo de Danto también legitimó ciertos tipos de práctica artística que el modernismo había marginalizado. Si el arte ya no necesita seguir una narrativa particular, entonces el arte que recupera estilos del pasado, que trabaja figurativamente, que no es progresista en sentido modernista, es perfectamente legítimo. Esta legitimación ha sido importante para artistas que no querían trabajar dentro de los parámetros del arte conceptual o minimal.

La idea del fin del arte también ha influido en cómo se enseña y se escribe la historia del arte contemporáneo. Si no hay una narrativa maestra, entonces las historias del arte contemporáneo deben ser plurales, deben reconocer múltiples desarrollos simultáneos sin intentar unificarlos en una sola historia. Esto ha abierto espacio para historias más inclusivas, más atentas a la diversidad de prácticas artísticas.

Sin embargo, el diagnóstico de Danto también ha sido criticado por conducir a cierto conservadurismo o complacencia. Si todo es posible y nada es necesario, ¿por qué hacer esfuerzo por innovar? ¿Por qué desafiar convenciones? El pluralismo puede volverse excusa para mediocridad, para trabajo que no toma riesgos porque no necesita tomar riesgos. Esta es quizás la consecuencia no intencionada más problemática de la tesis de Danto.

Más de dos décadas después de la publicación del libro, vivimos indiscutiblemente en el mundo que Danto describió. El arte contemporáneo es pluralista, ecléctico, sin una dirección unificada. Los artistas trabajan en todos los estilos imaginables. Las bienales internacionales exhiben trabajos que tienen poco en común estilísticamente. No hay una vanguardia que empuje el arte hacia adelante porque ya no hay un «adelante» hacia el cual empujar.

Pero esto plantea la pregunta: ¿estamos satisfechos con esta condición? ¿El pluralismo poshistórico es realmente una liberación o es una parálisis disfrazada? ¿La ausencia de dirección histórica libera la creatividad o la sofoca? Estas preguntas no tienen respuestas fáciles, pero el hecho de que las planteemos muestra que el análisis de Danto sigue siendo relevante y provocador.

«Después del fin del arte» de Arthur Danto es uno de los textos más importantes sobre el arte contemporáneo de las últimas décadas. Su tesis —que el arte entró en una fase poshistórica donde ya no sigue una narrativa maestra— captura algo fundamental sobre la condición del arte desde los años 60. El pluralismo, el eclecticismo, la libertad de trabajar en cualquier estilo sin restricciones históricas: estas son características reales del arte contemporáneo que Danto identificó claramente.

Su concepto del mundo del arte y su teoría de que los objetos se vuelven arte por su relación con la atmósfera de teoría e historia artística han sido fundamentales para la filosofía del arte. Su observación de que objetos perceptualmente idénticos pueden diferir en que uno es arte y el otro no es un punto de partida crucial para pensar sobre la naturaleza del arte en una época donde las fronteras entre arte y no-arte son cada vez más porosas.

Sin embargo, las limitaciones del libro son significativas. Su eurocentrismo, su enfoque en la escena artística de Nueva York, su relativa indiferencia a determinaciones materiales y políticas del arte —todas estas son debilidades serias. La tesis del fin del arte puede aplicarse a cierta tradición artística occidental pero no necesariamente a todas las tradiciones artísticas globales. El pluralismo que Danto celebra puede ser menos liberador y más constreñido por el mercado de lo que él reconoce.

Aun así, «Después del fin del arte» permanece como un texto esencial para comprender el arte contemporáneo. Proporciona un marco conceptual para pensar sobre por qué el arte contemporáneo es como es: plural, sin dirección unificada, libre de imperativos históricos pero también quizás privado del sentido de propósito que las narrativas históricas proporcionaban. Vivimos después del fin del arte en el sentido de Danto y este libro nos ayuda a entender qué significa habitar esta condición poshistórica.

Fuentes y bibliografía

Obra principal:

• Danto, Arthur C. Después del fin del arte: El arte contemporáneo y el linde de la historia. (original: After the End of Art: Contemporary Art and the Pale of History, Princeton: Princeton University Press, 1997).

Otras obras de Arthur Danto:

• Danto, Arthur C. La transfiguración del lugar común: Una filosofía del arte. Barcelona: Paidós, 2002 (original 1981).
• Danto, Arthur C. The Abuse of Beauty: Aesthetics and the Concept of Art. Chicago: Open Court, 2003.
• Danto, Arthur C. What Art Is. New Haven: Yale University Press, 2013.
• Danto, Arthur C. Unnatural Wonders: Essays from the Gap Between Art and Life. Nueva York: Farrar, Straus and Giroux, 2005.

Contexto filosófico:

• Hegel, G.W.F. Lecciones de estética. (original 1835-1838).
• Dickie, George. Art and the Aesthetic: An Institutional Analysis. Ithaca: Cornell University Press, 1974.
• Greenberg, Clement. Arte y cultura: Ensayos críticos. Barcelona: Paidós, 2002 (original 1961).
• Belting, Hans. La historia del arte después de la modernidad. México: Universidad Iberoamericana, 2003.

Sobre Danto y crítica a su tesis:

• Rollins, Mark (ed.). Danto and His Critics. Oxford: Blackwell, 1993.
• Carroll, Noël. Beyond Aesthetics: Philosophical Essays. Cambridge: Cambridge University Press, 2001.
• Foster, Hal et al. Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism. Londres: Thames & Hudson, 2004.

Explorar más

• Bibliografía esencial de arte, arquitectura y diseño contemporáneo – Índice completo de fuentes fundamentales
• Andy Warhol: iconos y repetición – El artista que inspiró la tesis de Danto
• Pop Art: cultura de masas como arte – Hub sobre el movimiento que marcó el fin del arte
• Arte Conceptual: la idea sobre la ejecución – El arte después de Duchamp y Warhol

Preguntas frecuentes sobre Danto y «Después del fin del arte»