«Art Since 1900»: la historia crítica del arte del siglo XX año por año

«Art Since 1900» representa el esfuerzo colectivo más ambicioso por cartografiar el arte del siglo XX desde múltiples perspectivas críticas. Publicado originalmente en 2004 por Thames & Hudson (con ediciones ampliadas en 2011 y 2016), este volumen masivo es obra de cuatro de los historiadores del arte más influyentes del mundo anglófono: Hal Foster, Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois y Benjamin Buchloh. Juntos construyen una narrativa que organiza el arte moderno y contemporáneo cronológicamente, año por año, desde 1900 hasta el presente.

Lo que distingue este texto de otros manuales es su estructura única y su pluralismo metodológico. Cada entrada corresponde a un año específico y analiza un acontecimiento, obra, exposición o desarrollo teórico significativo. Los cuatro autores escriben desde perspectivas distintas —formalismo, psicoanálisis, marxismo, postestructuralismo— sin intentar armonizar artificialmente sus diferencias. El resultado es una historia del arte que reconoce la complejidad del campo y la imposibilidad de una narrativa única totalizadora.

El libro se ha convertido en texto fundamental en universidades de habla inglesa y más allá, no solo por su exhaustividad, sino por su capacidad de integrar análisis formal detallado con reflexión teórica sofisticada y contexto político-cultural. Para quienes buscan comprender el arte del siglo XX en toda su complejidad, «Art Since 1900» es referencia ineludible.

Este artículo examina la estructura del libro, las metodologías empleadas por sus autores, sus contribuciones principales y las críticas que ha recibido, además de evaluar su relevancia para el estudio del arte contemporáneo dos décadas después de su publicación inicial.

Los autores: cuatro voces críticas del arte contemporáneo

Comprender «Art Since 1900» requiere conocer a sus autores, cuyas trayectorias intelectuales han definido la crítica de arte de las últimas cinco décadas. Hal Foster, profesor en Princeton, es conocido por sus análisis del arte contemporáneo y su crítica al posmodernismo superficial. Su libro «El retorno de lo real» (1996) influyó profundamente en cómo entendemos el arte después de 1960. Foster trae al proyecto sensibilidad hacia la política cultural y las prácticas artísticas que desafían el mercado.

Rosalind Krauss, profesora emérita en Columbia y cofundadora de la revista «October» en 1976, es figura central del formalismo estructuralista. Su trabajo sobre escultura moderna, fotografía y el concepto de «campo expandido» transformó cómo pensamos medios artísticos. Krauss aporta rigor analítico formal y escepticismo hacia narrativas progresistas ingenuas. Su aproximación psicoanalítica influenciada por Lacan añade dimensión teórica sofisticada.

Yve-Alain Bois, también en Princeton, es especialista en arte moderno europeo, particularmente constructivismo ruso y la abstracción geométrica. Su conocimiento profundo de teorías estéticas europeas —desde formalismo ruso hasta semiótica francesa— equilibra el sesgo anglófono que a menudo domina historias del arte escritas en inglés. Bois aporta una perspectiva transnacional y atención a la circulación internacional de ideas artísticas.

Benjamin Buchloh, en Harvard, combina el análisis marxista con historia social del arte. Su trabajo sobre vanguardias históricas y neovaanguardias examina cómo el arte responde a condiciones económicas y políticas. Buchloh es particularmente crítico con la mercantilización del arte y atento a cómo las estructuras de poder configuran producción y recepción artística. Su perspectiva europea (alemán de nacimiento) complementa las voces estadounidenses.

Estos cuatro críticos no solo escribieron juntos sino que representan la madurez de la generación que transformó la historia del arte en una disciplina teóricamente sofisticada durante los años 70 y 80. Su colaboración en «Art Since 1900» sintetiza décadas de investigación individual mientras crea marco colectivo para pensar el siglo XX artístico.

Estructura cronológica: el siglo XX año por año

La decisión estructural más distintiva de «Art Since 1900» es su organización cronológica estricta. El libro no divide el siglo en periodos convencionales (modernismo temprano, vanguardias, posguerra, posmodernismo) sino que procede año por año, cada entrada anclada en fecha específica. Por ejemplo, 1907 está dedicado a «Les Demoiselles d’Avignon» de Picasso, 1913 a la exposición del Armory Show en Nueva York, 1917 a la «Fuente» de Duchamp.

Esta estructura tiene ventajas significativas. Primero, evita la teleología implícita en narrativas que organizan el arte como progreso hacia un objetivo predeterminado. Al presentar desarrollos año por año, el libro muestra simultaneidades y contradicciones: mientras en París el cubismo analítico alcanzaba su apogeo en 1911, en Múnich Der Blaue Reiter exploraba expresionismo místico. El arte del siglo XX no fue movimiento único sino una multiplicidad de búsquedas paralelas, a menudo en tensión.

Segundo, la estructura cronológica facilita la contextualización histórica. Cada entrada conecta desarrollos artísticos con acontecimientos políticos, económicos y culturales contemporáneos. La entrada de 1933 sobre Bauhaus incluye la discusión sobre el ascenso del nazismo. La de 1945 sobre Pollock no puede separarse del trauma de la Segunda Guerra Mundial y la emergencia de Nueva York como capital artística desplazando a París.

Sin embargo, esta organización también presenta desafíos, como que los movimientos artísticos no se limitan a años específicos. El cubismo, por ejemplo, aparece disperso en múltiples entradas entre 1907 y 1914. Los lectores que buscan una visión comprehensiva de un movimiento deben rastrear referencias cruzadas. El libro incluye introducciones a cada década que sintetizan tendencias, pero la fragmentación cronológica puede dificultar aprehensión de desarrollos de mediano y largo plazo.

Cada entrada típicamente incluye un análisis formal detallado de obra o exposición específica, biografía relevante de artistas involucrados, contexto histórico-cultural y discusión teórica sobre implicaciones más amplias. Las entradas varían en longitud desde cuatro hasta ocho páginas, permitiendo una profundidad considerable. Imágenes de alta calidad acompañan el texto, fundamental para un libro sobre arte visual.

Pluralismo metodológico: cuatro aproximaciones al arte

Una de las fortalezas más significativas de «Art Since 1900» es su pluralismo metodológico declarado. Los autores no intentan homogeneizar sus aproximaciones teóricas. El libro reconoce explícitamente que trabajan desde perspectivas diferentes y que estas diferencias enriquecen más que debilitan el proyecto. Esta honestidad metodológica es poco común en textos colaborativos, que típicamente buscan voz unificada.

Formalismo estructuralista de Krauss

Rosalind Krauss trae análisis formal riguroso influenciado por el estructuralismo y la semiótica. Sus entradas examinan como las obras de arte funcionan como sistemas de signos, como configuran relaciones espaciales y temporales y como los medios artísticos establecen condiciones de posibilidad para significado. Por ejemplo, su análisis de la fotografía moderna investiga la especificidad del medio fotográfico —su relación indicativa con realidad, su capacidad de reproducción mecánica— y cómo estas características configuran prácticas artísticas particulares.

Krauss es especialmente atenta a la materialidad de las obras y a como decisiones formales específicas generan efectos estéticos y conceptuales. Su concepto de «campo expandido» —desarrollado originalmente para la escultura moderna— aparece implícitamente en múltiples entradas, mostrando como las prácticas artísticas trascienden categorías tradicionales sin disolverse en una indeterminación total.

Marxismo cultural de Buchloh

Benjamin Buchloh aporta análisis materialista que examina el arte como práctica social condicionada por estructuras económicas y políticas. Sus entradas frecuentemente interrogan relaciones entre vanguardia artística y vanguardia política, cuestionando hasta qué punto las prácticas artísticas radicales pueden efectivamente desafiar el orden social existente o si inevitablemente son cooptadas por el mercado del arte y la cultura burguesa.

Buchloh es particularmente crítico con las neoavanguardias de posguerra que intentan revivir gestos de vanguardias históricas sin confrontar las condiciones materiales transformadas. Su análisis del arte después de 1945 explora las tensiones entre la resistencia cultural y la espectacularización y entre la crítica institucional y la absorción institucional. Esta perspectiva materialista equilibra las tendencias formalistas que a veces aíslan el arte del contexto social.

Psicoanálisis y teoría posmoderna de Foster

Hal Foster integra psicoanálisis, teoría posmoderna y crítica cultural. Sus entradas sobre arte contemporáneo después de 1960 examinan cómo los artistas responden a un trauma histórico, como trabajan con deseo y subjetividad y como negocian entre autonomía artística y compromiso político. Foster es especialmente atento a las prácticas artísticas que problematizan la representación misma como el apropiacionismo, el simulacro y la crítica institucional.

Su concepto del «retorno de lo real» —el modo en que lo reprimido o traumático retorna en arte contemporáneo no como representación mimética, sino como encuentro perturbador— informa sus lecturas de artistas desde Warhol hasta Kara Walker. Foster evita tanto la celebración acrítica del arte contemporáneo como la nostalgia reaccionaria por el modernismo heroico.

Transnacionalismo de Bois

Yve-Alain Bois aporta la perspectiva transnacional que descentra las narrativas eurocéntricas o estadounidense-céntricas. Sus entradas sobre vanguardias rusas, De Stijl holandés, arte latinoamericano y la circulación internacional de las ideas artísticas, muestran cómo el arte del siglo XX emerge de diálogos transfronterizos, traducciones, malentendidos productivos y apropiaciones mutuas entre diferentes contextos culturales.

Bois es especialmente hábil mostrando cómo movimientos aparentemente locales —suprematismo ruso, constructivismo, neoplasticismo— participan en una conversación internacional más amplia. Su conocimiento de fuentes en múltiples idiomas (francés, ruso, alemán) permite el acceso a debates teóricos que permanecen inaccesibles en historias del arte monolingües.

Contribuciones principales: redefiniendo el canon del siglo XX

«Art Since 1900» realiza varias contribuciones significativas a la historiografía del arte moderno y contemporáneo. Primero, ofrece alternativa a narrativas modernistas que presentan el arte del siglo XX como un progreso lineal hacia la abstracción pura o la autorreferencialidad absoluta. Los autores muestran cómo diferentes tendencias coexisten en tensión productiva: abstracción y figuración, vanguardia y tradición, autonomía artística y compromiso político.

Segunda, el libro integra teoría crítica sofisticada sin sacrificar análisis formal detallado. Muchos textos teóricos sobre arte permanecen abstractos, desconectados de la materialidad de obras específicas. Muchos análisis formales ignoran marcos conceptuales más amplios. «Art Since 1900» demuestra que teoría y análisis formal se enriquecen mutuamente cuando se practican conjuntamente.

Tercera, el libro expande el canon más allá de maestros modernos tradicionales. Incluye arte feminista, arte conceptual, performance, video, instalación, arte político y activista. Aunque todavía privilegia el arte exhibido en museos y galerías occidentales, hace un esfuerzo consciente por incluir prácticas que historias del arte anteriores marginaban. Las ediciones posteriores (2011, 2016) han ampliado la cobertura de arte no occidental, aunque esto sigue siendo un área de desarrollo.

Cuarta, «Art Since 1900» toma en serio las instituciones artísticas. El libro analiza museos, galerías, bienales, mercado del arte y crítica institucional no como contexto externo, sino como parte constitutiva de lo que el arte es y significa. Esta atención a marcos institucionales refleja la influencia de crítica institucional como práctica artística y como metodología académica.

Quinta contribución importante es la atención sostenida al problema de la recepción. Los autores no solo preguntan qué significa una obra para su creador o qué significó en su momento histórico original, sino cómo los significados se transforman a través del tiempo y como obras del pasado son reactivadas por nuevos contextos y públicos. Esta perspectiva hermenéutica reconoce que el significado artístico no está fijo, sino que se produce relacionalmente.

Críticas y limitaciones: lo que falta en «Art Since 1900»

A pesar de sus logros, «Art Since 1900» ha recibido críticas importantes que vale la pena considerar. La más fundamental se refiere a su sesgo occidental. Aunque el libro incluye secciones sobre arte japonés, latinoamericano y ocasionalmente africano, la narrativa principal permanece centrada en Europa y Estados Unidos. El arte no occidental aparece típicamente como influencia sobre artistas occidentales o como desarrollo derivado de vanguardias europeas.

Esta limitación refleja parcialmente el campo de especialización de los autores, todos formados en la tradición occidental, pero también revela un problema estructural más profundo: la historia del arte como disciplina sigue siendo predominantemente eurocéntrica en sus categorías, periodizaciones y criterios de valor. Expandir la cobertura geográfica sin cuestionar marcos conceptuales subyacentes resulta insuficiente. Necesitamos historias del arte que no solo incluyan más regiones, sino que repiensen las categorías fundamentales desde perspectivas no occidentales.

La segunda crítica importante se refiere al sesgo institucional. «Art Since 1900» se enfoca casi exclusivamente en arte que circula en museos, galerías, bienales e instituciones legitimadas del mundo del arte. Arte popular, arte vernáculo, arte comunitario, en definitiva, el arte fuera del circuito institucional, recibe atención mínima. Esto limita la comprensión de producción visual del siglo XX en toda su diversidad.

Relacionado con esto, el libro privilegia ciertos medios sobre otros. Pintura y escultura reciben más atención que cerámica, textiles, diseño gráfico y arte digital temprano. Esta jerarquía de medios reproduce valores tradicionales de bellas artes que las propias vanguardias históricas intentaron subvertir. Aunque el libro incluye fotografía, video y performance, estos medios aparecen frecuentemente como expansión o desafío a pintura y escultura, no como tradiciones propias con historias autónomas.

La tercera crítica se refiere a la densidad teórica. El libro asume lectores con formación considerable en teoría crítica, filosofía continental y psicoanálisis. Para estudiantes sin este trasfondo, muchas entradas resultan difíciles de seguir. Aunque «Art Since 1900» ofrece introducciones teóricas y glosario, la complejidad conceptual puede ser una barrera significativa. Esto plantea una pregunta sobre el público objetivo: ¿es texto introductorio o herramienta avanzada?

Una cuarta limitación es la fragmentación inherente a la estructura cronológica. Aunque facilita la contextualización histórica, dificulta la comprensión de desarrollos de largo plazo. Movimientos artísticos aparecen dispersos en múltiples entradas. Las introducciones a cada década ayudan, pero no sustituyen narrativas más extensas sobre trayectorias completas de movimientos o artistas. El libro funciona mejor como referencia que como lectura continua.

Finalmente, algunos críticos cuestionan el cierre temporal del libro. Aunque ediciones recientes extienden cobertura hasta 2015, el énfasis sigue recayendo en el periodo anterior a 1990. Arte verdaderamente contemporáneo —último cuarto de siglo— recibe una atención proporcionalmente menor. Esto es comprensible: escribir historia de arte reciente es particularmente difícil por falta de distancia crítica, pero significa que el libro es más fuerte para arte moderno que para arte contemporáneo.

Impacto pedagógico: transformando la enseñanza del arte moderno

Más allá de sus méritos como obra de referencia, «Art Since 1900» ha transformado cómo se enseña historia del arte moderno en universidades. Antes de su publicación, muchos cursos universitarios dependían de textos que separaban análisis formal de contexto histórico, o que presentaban narrativas simplificadas sin reconocer debates teóricos contemporáneos. «Art Since 1900» demostró que los estudiantes pueden —y deben— enfrentar la complejidad teórica desde etapas tempranas de formación.

El libro funciona particularmente bien en cursos de seminario, donde los estudiantes pueden leer entradas específicas acompañadas de una discusión en clase. La estructura modular permite a los profesores seleccionar entradas según objetivos pedagógicos específicos. Un curso sobre vanguardias históricas puede centrarse en entradas de 1905-1925 y un curso sobre arte de posguerra trabajará con el periodo 1945-1970. Esta flexibilidad es una ventaja significativa sobre narrativas lineales que deben leerse secuencialmente.

El pluralismo metodológico del libro también ofrece una oportunidad pedagógica valiosa: expone a los estudiantes a múltiples aproximaciones críticas aplicadas a los mismos fenómenos artísticos. Esto enseña que la interpretación artística no es un proceso de descubrir un significado único correcto, sino una práctica de argumentación donde diferentes marcos conceptuales generan lecturas diferentes, pero igualmente rigurosas. Esta lección sobre multiplicidad interpretativa es fundamental para la formación humanística.

Sin embargo, algunos profesores reportan que la densidad teórica del libro requiere un andamiaje pedagógico considerable. Los estudiantes necesitan introducción a conceptos teóricos clave antes de poder aprovechar plenamente las entradas. Esto ha generado materiales pedagógicos complementarios: guías de lectura, ejercicios de análisis visual o introducciones teóricas simplificadas. El libro funciona mejor cuando se integra en un programa curricular cuidadosamente diseñado y no como un único texto.

Relevancia actual: dos décadas después

20 años después de su publicación inicial, ¿cómo se sostiene «Art Since 1900»? La respuesta es matizada. El libro permanece como referencia fundamental para el arte moderno de primera mitad del siglo XX. Sus entradas sobre cubismo, dadaísmo, surrealismo, constructivismo representan síntesis sofisticadas que integran décadas de investigación. Para estos periodos, «Art Since 1900» probablemente seguirá siendo el texto canónico por años venideros.

Para arte de posguerra (1945-1990), el libro sigue siendo valioso pero empieza a mostrar edad. Investigación reciente ha cuestionado algunas narrativas que el libro presenta como establecidas, por ejemplo, trabajos sobre el expresionismo abstracto han complicado la historia que enfatiza el heroísmo individual de Pollock y otros, mostrando redes colaborativas más complejas e influencias ignoradas. Estudios feministas han recuperado artistas mujeres que las historias tradicionales marginaron.

Para arte verdaderamente contemporáneo —últimas tres décadas— el libro es menos útil. Aunque ediciones recientes extienden su cobertura hasta 2015, estas secciones funcionan más como apéndice que como análisis integrado. El arte del siglo XXI plantea desafíos que el marco del libro no está completamente equipado para abordar: globalización radical del mundo del arte, arte digital y basado en internet y nuevos medios, prácticas socialmente comprometidas que desafían categorías institucionales tradicionales.

La relevancia duradera de «Art Since 1900» no está solo en la información específica que proporciona, sino en el modelo metodológico que establece. Demuestra que las historias del arte pueden ser rigurosas sin ser dogmáticas, teóricamente informadas sin ser abstractas y atentas a contexto sin reducir el arte a documento social. Este equilibrio sigue siendo una aspiración para la escritura sobre arte.

El libro también mantiene relevancia como modelo de colaboración intelectual. En una época de hiperespecialización académica, «Art Since 1900» muestra valor de diálogo interdisciplinario. Los autores no intentan eliminar sus diferencias, sino ponerlas en una conversación productiva. Este pluralismo metodológico es un antídoto contra las ortodoxias interpretativas y un recordatorio de que la riqueza del arte radica parcialmente en su capacidad de soportar múltiples lecturas.

«Art Since 1900» representa un logro historiográfico monumental: síntesis de décadas de investigación crítica sobre arte del siglo XX, organizada en forma accesible pero sofisticada. Sus cuatro autores —Foster, Krauss, Bois, Buchloh— integran perspectivas teóricas diversas sin forzar una coherencia artificial, creando un texto que respeta la complejidad del arte moderno y contemporáneo.

Dos décadas después de su publicación, «Art Since 1900» permanece como un texto fundamental pero ya no suficiente. Debe leerse junto con historias del arte que se centran en perspectivas no occidentales, que atienden a medios marginados y que teorizan sobre el arte del siglo XXI. Pero como modelo de escritura crítica sobre arte —rigurosa, teóricamente informada, formalmente atenta y políticamente consciente— sigue estableciendo el estándar para disciplina. Su influencia en cómo pensamos, enseñamos y escribimos sobre arte moderno y contemporáneo, será duradera.

Fuentes y bibliografía

Obra principal:

• Foster, Hal; Krauss, Rosalind; Bois, Yve-Alain; Buchloh, Benjamin H.D.; Joselit, David. Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism. Londres: Thames & Hudson, 2004 (3ª edición ampliada, 2016).

Obras de los autores principales:

• Foster, Hal. El retorno de lo real: La vanguardia a finales de siglo. Madrid: Akal, 2001 (original 1996).
• Krauss, Rosalind. La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos. Madrid: Alianza, 1996 (original 1985).
• Krauss, Rosalind. Pasajes de la escultura moderna. Madrid: Akal, 2002 (original 1977).
• Bois, Yve-Alain. Painting as Model. Cambridge: MIT Press, 1990.
• Buchloh, Benjamin H.D. Neo-Avantgarde and Culture Industry: Essays on European and American Art from 1955 to 1975. Cambridge: MIT Press, 2000.
• Buchloh, Benjamin H.D. Formalismo e historicidad: Modelos y métodos en el arte del siglo XX. Madrid: Akal, 2004.

Contexto teórico:

• Revista October. Cambridge: MIT Press, 1976-presente.
• Greenberg, Clement. Arte y cultura: Ensayos críticos. Barcelona: Paidós, 2002 (original 1961).
• Bürger, Peter. Teoría de la vanguardia. Barcelona: Península, 1987 (original 1974).
• Danto, Arthur. Después del fin del arte: El arte contemporáneo y el linde de la historia. Barcelona: Paidós, 1999 (original 1997).

Historiografía y metodología:

• Preziosi, Donald (ed.). The Art of Art History: A Critical Anthology. Oxford: Oxford University Press, 2009 (2ª edición).
• Elkins, James. Stories of Art. Nueva York: Routledge, 2002.
• Holly, Michael Ann; Moxey, Keith (eds.). Art History, Aesthetics, Visual Studies. Williamstown: Sterling and Francine Clark Art Institute, 2002.

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• Bibliografía esencial de arte, arquitectura y diseño contemporáneo – Índice completo de fuentes fundamentales
• Rosalind Krauss – «La originalidad de la vanguardia» – Crítica del arte moderno
• Cubismo: descomposición de la realidad – Hub central sobre el movimiento cubista
• Expresionismo abstracto: gesto y emoción pura – Arte de posguerra en Nueva York

Preguntas frecuentes de Art Since 1900