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PHotoESPAÑA celebra en 2022 su 25 aniversario. El 16 de junio de 1998 se inauguraba en Madrid la primera edición de esta cita cuyo principal objetivo era otorgar a la fotografía un lugar relevante en las instituciones públicas, así como visibilizar el trabajo de las galerías.
Más de 4.000 fotógrafos han pasado por el Festival en estos años en los que PHotoESPAÑA ha contado con más de 1800 exposiciones.
A lo largo de sus sucesivas ediciones ha consolidado su compromiso con la fotografía convirtiéndola en una disciplina imprescindible en las principales salas de exposiciones de la capital y trasladándose a otras ciudades de nuestro país como Alcalá de Henares, Cuenca, Santander, Valladolid y Zaragoza.
Junto con estas sedes, PHotoESPAÑA 2022 estará presente en once países de todo el mundo que se han unido a la celebración del aniversario. La XXV edición del Festival presentará entre el 1 de junio y el 28 de agosto, 120 exposiciones de 442 fotógrafos y artistas visuales.
Conscientes de la importancia de la imagen en la sociedad contemporánea el Festival abordará cuestiones de actualidad y que reflejan algunas de las inquietudes actuales de la sociedad. La forma en la que la fotografía refleja el mundo actual; la fotografía documental; la visibilización de mujeres fotógrafas que fueron determinantes en su época; la fotografía española; o las nuevas vías de expresión en el campo de la fotografía y las artes visuales serán algunos de los principales ejes de la programación.
Vicent Todolí y Sandra Guimarães serán los comisarios invitados de PHotoESPAÑA 2022 y bajo el título Sculting reality ofrecerán una panorámica sobre lo mejor de la fotografía documental en tres muestras colectivas y un encuentro con fotógrafos.
Con este programa, los comisarios proponen un recorrido por la historia de la fotografía y el estilo documental, desde sus inicios en los años treinta del siglo XX hasta la actualidad, a partir de la investigación de los fondos de la Colección Per Amor a l’Art. Todo ello a través de tres exposiciones colectivas y un encuentro.
Un programa que incluirá trabajos de: Walker Evans, Manuel Álvarez Bravo, Garry Winogrand, Lee Friedlander, Helen Levitt, Louis Faurer, Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Joel Meyerowitz, Tod Papageorge, Anthony Hernandez, Mike Mandel, Harry Callahan, Susan Meiselas, David Goldblatt, Jürgen Schadeberg, Edward Ruscha, Bern & Hilla Becher, Lewis Baltz, Humberto Rivas, Luigi Ghirri, Ian Wallace, Xavier Ribas, Bleda y Rosa, Yto Barrada y Paul Graham.
Por su parte, las nuevas voces de la fotografía se reunirán en la muestra Híbridos, con los trabajos de los autores seleccionados por los miembros de la plataforma internacional Futures Photography, organismo que fomenta la movilidad y visibilidad de los fotógrafos emergentes.
Participarán en esta muestra: Maija Savolainen, Carlos Alba, Hien Hoang, Emily Graham, Eva Kreuger, Marta Bogdanska, Alexey Shlyk, Valeria Cherchi, Io Sivertsen, Lena Dobrowolska & Teo Ormond Skeaping y Jean Vincent Simonet.
Además, PHotoESPAÑA ofrecerá una completa panorámica de la fotografía actual en El Líbano en una muestra colectiva con la obra de doce fotógrafos que, a partir del medio fotográfico, reflexionan sobre los acontecimientos que han vivido en su país en los últimos años.
En su XXV aniversario, PHotoESPAÑA ofrecerá una mirada también a la fotografía española, con obras de fotógrafos ya consagrados; autores de media carrera, así como atendiendo a las propuestas de las voces más jóvenes de la fotografía. El Festival rendirá homenaje a dos grandes de la fotografía nacional: Carlos Pérez Siquier, –fallecido hace menos de un año– y Francesc Català Roca –en el centenario de su nacimiento–.
Además, contará con exposiciones individuales de autores como: Alberto García- Alix –quien inauguró la primera edición del Festival en 1998– Javier Campano, Juan Baraja, Aleix Plademunt, Ana Palacios, Estela de Castro, Ana Nance o Marta Soul, entre otros.
La mirada femenina en la fotografía llegará de la mano de tres grandes nombres de la fotografía internacional que contarán con muestras monográficas: Kati Horna –cronista fundamental de la Guerra Civil Española, en una exposición en la que se podrá ver también el trabajo de su compañera Margaret Michaelis–; Germaine Krull –una de las autoras más destacada de la vanguardia francesa de los años 20, con un trabajo, en esta ocasión de profundo valor documental– y Tina Modotti –una de las personalidades más interesantes de la fotografía del pasado siglo y testigo de uno de los periodos más convulsos de la historia de México–.
Patrimonio Nacional se sumará por primera vez como sede de PHotoESPAÑA con programación en espacios tan emblemáticos como el Palacio Real o el Panteón de Hombres Ilustres. El primero acogerá una muestra, comisariada por el Festival que establecerá un diálogo entre las Colecciones Reales y la obra de Sebastião Salgado. Por su parte, el Panteón de Hombres Ilustres contará con una instalación de la artista Beatriz Ruibal.
Alcalá de Henares, Cuenca, Santander, Valladolid y Zaragoza acogerán propuestas dentro de la Sección Oficial del Festival. Y otras ciudades españolas como Elche y Ferrol se sumarán por primera vez a la programación.
Además, dentro de las celebraciones del XXV aniversario, 26 instituciones, museos y centros culturales de España, Europa y América, han querido sumarse al programa de PHotoESPAÑA 2022 con su programación.
El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (Avilés); Es Baluard (Palma de Mallorca); MUSAC (León); el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear (Cáceres); el Museo Guggenheim (Bilbao); el Centro Pompidou (Málaga); el Centro Colección Museo Ruso de San Petersburgo (Málaga) son algunas de las sedes nacionales.
C/O Berlín (Alemania); Arte Coa (Portugal); Fototeca de Cuba (Cuba); PhotoIreland (Irlanda); Museum of Contemporary Photography (Estados Unidos); Photo Romania (Rumanía) o Fotomuseum Winterthur (Suiza), son algunas de las sedes internacionales.
Sculpting Reality
El término “estilo documental”, acuñado así por el fotógrafo estadounidense Walker Evans, tuvo una gran influencia en la fotografía desde comienzos del siglo XX. En un principio heredero de otros tipos de fotografía como el reportaje o el fotoperiodismo, el estilo documental evoluciona para integrarse en la fotografía artística.
Se desmarca por la intención de representar la realidad de un modo puro y transparente, a su vez reflexionando sobre cuestiones como la experimentación con el lenguaje fotográfico, la serialidad, el documento como “huella”, la puesta en escena y su veracidad, la idea de archivo, las tipologías o el concepto de la subjetividad.
En 1971, Evans afirma que “un ejemplo de documento literal sería la fotografía policial de un crimen. Un documento tiene una utilidad, mientras que el arte es realmente inútil. Así, el arte nunca es un documento, pero puede adoptar su estilo”.
En definitiva, el fotógrafo que adopta el estilo documental aspira a reflejar la realidad del mismo modo que un escultor: eliminando de su obra final todo aquel material que no forma parte de la pieza. Así, el título del programa, Sculpting Reality, hace alusión a Sculpting in Time: Reflections on the Cinema (1985), una publicación de Andréi Tarkovski que presenta al cineasta como alguien que “esculpe en el tiempo”.
Sculpting Reality versará sobre la fotografía de estilo documental como documento y estética, a partir de la investigación de los fondos de la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art (Valencia). Para ello, se realizará una gran exposición colectiva en dos sedes, el Círculo de Bellas Artes y Casa de América, así como un ciclo de encuentros públicos con destacados artistas internacionales.
La muestra propone un recorrido por la historia de este género, abordado a través de diferentes tiempos, contextos y geografías. Iniciándose en los años 1930, presenta la obra de pioneros fotógrafos estadounidenses como el mismo Walker Evans, Robert Frank, Helen Levitt o Louis Faurer, y finaliza en la actualidad, con una amplia selección de artistas contemporáneos que han adoptado este estilo documental en su práctica desde lo conceptual, como Ian Wallace, Bleda y Rosa o Paul Graham, pasando por otros fundamentales en la consolidación del estilo a lo largo del siglo XX, como Lee Friedlander, Garry Winogrand, Tod Papageorge o Anthony Hernandez, entre otros.
Sculpting Reality es una oportunidad excepcional para reflexionar, desde la mirada de más de 30 autores contemporáneos, nacionales e internacionales, sobre el crucial papel de la fotografía de estilo documental como elemento de reinterpretación y confrontación con la realidad, a través de obras que ejemplifican las complejidades del pasado y del presente, y que continúan hoy dando forma a la vida.
Sculpting Reality. Colectiva
- Comisarios: Sandra Guimarães y Vicent Todoli
- Organiza: Círculo de Bellas Artes, Fundació Per Amor a l’Art, Bombas Gens Centre d’Art y PHotoESPAÑA
- Fecha: 01.06 – 04.09
Esta exposición presenta una amplia selección de series fotográficas pertenecientes a la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art, que trazan un recorrido por la historia de la fotografía de estilo documental desde sus inicios a comienzo del siglo XX hasta la contemporaneidad.
A través de diferentes miradas y contextos geográficos, este conjunto de obras permite observar un amplio espectro de intenciones estéticas y conceptuales que, a pesar de surgir –en su mayoría– del mero hecho fotográfico como forma inequívoca de presentar la realidad sin artificios, dejan a su paso una colección de imágenes que reflexionan sobre la capacidad narrativa de lo documental y su relación con la veracidad, la interpretación y construcción de la escena, y el potencial de la fotografía como documento para encarnar posiciones políticas en su aspiración por inmortalizar las realidades sociales, políticas y culturales de los lugares que retrata.
Sculpting Reality. Colectiva
- Comisarios: Sandra Guimarães y Vicent Todoli
- Organiza: Casa de América, Fundació Per Amor a l’Art, Bombas Gens Centre d’Art y PHotoESPAÑA
- Fecha: 01.06 – 04.09
Esta muestra, complementaria a la selección de obras y artistas presentes en el Círculo de Bellas Artes, descubre, por un lado, los orígenes de la fotografía de estilo documental de la mano de un conjunto de artistas considerados los pioneros de esta categoría estética en el contexto estadounidense –Louis Faurer, Robert Frank o Helen Levitt– y su consolidación a través de publicaciones como Double Elephant Press –de la mano de artistas como Walker Evans, Manuel Álvarez Bravo, Garry Winogrand y Lee Friedlander.
Por otro lado, presenta otro conjunto de obras como referencia a la entrada del color en este género a partir de la década de los 60 en adelante, con los trabajos de fotógrafos como Anthony Hernandez, Tod Papageorge, Mike Mandel o Harry Callahan.
La serie Double Elephant Portfolio – Selected Photographs resulta clave para entender el inicio de la fotografía de estilo documental. Entre 1973 y 1974, Lee Friedlander y Burt Wolf seleccionaron quince fotografías de cuatro autores que habían publicado en Double Elephant Press: Walker Evans, Manuel Álvaro Bravo, Garry Winogrand y el propio Friedlander –dado que la fotografía documental se entendía en relación al reportaje o fotoperiodismo y, en consecuencia, se mostraba habitualmente en periódicos y revistas–.
Los autores del porfolio reflejan el inicio de ese estilo documental y la influencia que sobre él llegaron a ejercer autores como Evans, pero también la necesidad de algunos fotógrafos –como es el caso de Winogrand– por experimentar con este lenguaje. Además, este conjunto se acompaña de otras obras de Friedlander –las popularmente conocidas como “The Little Screens”– y Winogrand –la serie 15 Big Shots– para contextualizar el trabajo de estos artistas.
En la serie Rodeo Drive (1984), Anthony Hernandez presenta un cuerpo de trabajo de 41 fotografías en las que retrata a los transeúntes que pasean por el pasaje comercial de Beverly Hills: evidencia la complejidad de los espacios urbanos, la disparidad económica y la división racial. Como afirmó Lewis Baltz: «estos son los vencedores… disfrutando del botín de su victoria en Rodeo Drive».
Sculpting reality. El valor de la imagen. Encuentro con Ian Wallace, Meiselas y Bleda y Rosa
- Comisarios: Sandra Guimarães y Vicente Todoli
- Organiza: Fundación Telefónica y PHotoESPAÑA
- Fecha: Junio 2022
El programa de encuentros de esta edición brindará una oportunidad excepcional para adentrarse en la fotografía de estilo documental –entendido como documento y estética. Mediante la reflexión y debate, se pondrá el foco en la perspectiva de grandes artistas representativos de este género.
Se contará con la presencia de los artistas internacionales Ian Wallace (1943, Shoreham, UK) y Susan Meiselas (1948, Baltimore, USA), así como el dúo de fotógrafos españoles Bleda y Rosa conformado por María Bleda (1968, Castellón) y José María Rosa (1970, Albacete), quienes recibieron el Premio Nacional de Fotografía en 2008.
Los artistas invitados trabajan la imagen desde la necesidad de cuestionar y pensar la realidad que nos rodea. Asimismo, forman parte de las exposiciones del programa “Sculpting Reality” y de la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art (Valencia) Bleda y Rosa están presentes en la exposición Sculpting Reality con Campos de futbol, una serie de fotografías que documenta estos espacios habituales en las afueras de los pueblos que han ido desapareciendo.
Aluden, así, a una memoria y a una forma de ocupar el territorio que comportan otros significados más allá de la imagen. De Ian Wallace se muestra La piscina de Las Arenas, una serie que no solo documenta la arquitectura, sino también la memoria de quienes veranearon en las instalaciones del icónico balneario valenciano, construido en 1934.
Finalmente, de Susan Meiselas se exhibe Carnival Strippers, la serie en la que documentó, entre 1972 y 1975, la vida de mujeres strippers. Con estas imágenes, Meiselas capturó los espectáculos que realizaban, pero también las actitudes de los espectadores, abordando así la objetualización del cuerpo de la mujer, pero también su vida privada y cómo esta opción suponía una forma de libertad para muchas de ellas.
Exposiciones en Madrid. Colabora Patrimonio Nacional
Por primera vez y para celebrar el 25 Aniversario del Festival, Patrimonio Nacional y PHotoESPAÑA colaboran, a través de las Colecciones Reales, en un diálogo entre la fotografía y las artes visuales contemporáneas y los fondos de fotografía histórica custodiados por el Archivo General de Palacio y la Real Biblioteca del Palacio Real de Madrid.
Las cajas de Ámsterdam: Katia Horna y Margaret Michaels en la Guerra Civil
- Comisaria: Almudena Rubio
- Organiza: Diputación de Huesca; International Institute of Social History: IISG y PHotoESPAÑA
- Colabora: Calcografía Nacional. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
- Fecha: Consultar fechas en phe.es
PHotoESPAÑA pone el foco en grandes fotógrafas de la historia cuyo trabajo no ha sido suficientemente reconocido, en esta ocasión con un testimonio único sobre la Guerra Civil Española.
Esta exposición recoge la obra inédita de las dos fotorreporteras anarquistas, Margaret Michaelis y Kati Horna, que se consideró perdida durante décadas. Margaret Michaelis (Dziedzice,1902-Melbourne,1985) y Kati Horna (Budapest, 1912-México, 2000) pusieron sus cámaras al servicio de la Revolución Social impulsada por los anarquistas y anarcosindicalistas de la CNT-FAI durante la Guerra Civil Española.
A diferencia de lo que se ha pensado hasta ahora, sus fotografías de la guerra no cayeron en manos franquistas ni desaparecieron entre las ruinas de los bombardeos, sino que se encontraban en el archivo de las Oficinas de Propaganda Exterior de la CNT-FAI donde trabajaban.
Al terminar la Guerra Civil, el archivo logró salvaguardar sus fondos enviándolos al Instituto Internacional de Historia Social de Ámsterdam, donde permanecieron prácticamente invisibles hasta 2016, cuando se organizaron sus archivos y se creó y se publicó su inventario.
Aunque no existe documentación en el archivo de la FAI que lo corrobore, durante los primeros meses de guerra, Margaret Michaelis, asentada en Barcelona desde 1933, trabajaría para la Sección Gráfica convirtiéndose en la fotógrafa de confianza de los anarquistas.
Prueba de ellos son los viajes que llevaría a cabo en calidad de fotógrafa junto a la anarquista rusa Emma Goldman (1869-1940) y el anarcosindicalista holandés Arthur Lehning (1899-2000) en otoño de 1936, organizados por los compañeros de las oficinas de propaganda.
Viajes que Michaelis recogió con su cámara y que han sido identificados, entre otros trabajos de la fotógrafa, en el Archivo. Aquella situación cambiaría sin embargo con la llegada de Kati Horna en enero de 1937.
Con el nombre de Catalina Polgare, y junto a su marido, el húngaro Paul Polgare (1911-1964), llegó a la Barcelona antifascista para convertirse en la fotógrafa oficial de los anarquistas y de su agencia fotográfica, la Spanish Photo Agency, conocida entonces como Photo SPA. Una experiencia, la de la agencia, que le permitiría ver publicadas sus fotografías en revistas de proyección internacional como la británica “Weekly Illustrated”.
En julio del 37 Horna se traslada a Valencia y trabaja como redactora gráfica de la revista “Umbral’’. Quedaban atrás siete meses de duro trabajo en las Oficinas de Propaganda que se vieron materializados en la publicación del álbum “¿España? Un libro de imágenes sobre cuentos y calumnias fascistas’’ y en cientos de negativos tomados con su habitual cámara rolleiflex que hoy nos permiten entender su mirada y su relación con los anarquistas.
A mediados de 1938, Kati Horna viajaría a París para conseguir material fotográfico, escaso en Barcelona, y ya nunca regresaría.
Luces o sombras de lo que fue y sigue siendo. VV.AA.
- Comisarios: Tarek Haddad y Betty Ketchedjian
- Organiza: Casa Arabe y PHotoESPAÑA
- Fecha: 01.06 – 25.09
Exposición del proyecto ganador de la segunda edición de la convocatoria NUR, de Casa Árabe y PHotoESPAÑA con obras de 12 autores agrupados en torno al Colectivo 1200 de El Líbano.
Esta convocatoria tiene como objetivo dar visibilidad y difusión a proyectos que ofrezcan una mirada sobre diversos aspectos de las sociedades árabes, desde una perspectiva curatorial contemporánea.
Casa Árabe y PHotoESPAÑA pusieron en marcha, en 2021, la convocatoria NUR con el objetivo de dar visibilidad, a través del Festival, a las propuestas más interesantes de la fotografía árabe contemporánea. El proyecto ganador de la segunda edición Luces o sombras de lo que fue y sigue siendo, presenta los trabajos de un grupo de artistas agrupados en torno al Colectivo 1200 de El Líbano.
Este colectivo nació como mecanismo de respaldo y apoyo mutuo entre los autores durante los momentos más complejos del país desde finales de 2019 y tras la explosión del puerto de Beirut. Los doce fotógrafos libaneses que participan en la muestra reflexionan, a través del medio fotográfico, sobre una gran cantidad de acontecimientos que han vivido y presenciado en el Líbano a lo largo de los últimos años.
La exposición transmite la urgencia por contar los acontecimientos y la realidad vivida a lo largo de los últimos años mediante el relato de experiencias personales y colectivas entrelazadas que se presentan a modo de metáfora de las vidas de los libaneses: “nuestras vidas parecen girar en un bucle sin fin en el que estamos atrapados, en el que la historia se repite”.
Esta exposición colectiva y coral supone también un reto a la función referencial de la fotografía al presentar distintas series de trabajos a modo de red y necesariamente interconectados entre sí.
La luz cegadora. Mounir Fatmy
- Comisarios: Mounir Fatmi y ADN Galería
- Organiza: Casa Árabe
- Colabora: ADN Galería
- Fecha: 16.06 – 18.09
Un proyecto artístico y expositivo inspirado por el Retablo de San Marcos, pintado por Fra Angélico en 1440. Una oportunidad única para descubrir, de la mano de este artista, los puntos en común entre el Renacimiento y la Modernidad.
La luz cegadora es un proyecto artístico y expositivo con obras del artista Mounir Fatmi (Tánger, 1970), inspirado en el Retablo de San Marcos, de Fra Angelico que muestra los milagros realizados por San Cosme y San Damián, patronos de los cirujanos y farmacéuticos.
Mounir Fatmi ha realizado a lo largo de su carrera una serie de fotomontajes con varias imágenes que muestran un quirófano -con su equipamiento tecnológico y sus medidas de higiene- que se superpone a una de las escenas milagrosas que se recogen en el retablo de Fra Angelico.
Así, el personal médico se sitúa junto a los dos santos formando un mismo grupo de trabajo. De esta manera, los fantasmas y las personas vivas están presentes en otra forma de realidad, una temporalidad fantasiosa tan milagrosa como la escena bíblica.
La muestra establece una asociación entre el Renacimiento y la hipermodernidad. Esta elipsis temporal que superpone diferentes tiempos y espacios, acerca la ciencia y la tecnología a un mundo que solía estar gobernado por milagros divinos. Los personajes en la pintura se convierten así en fantasmas. Esta discrepancia obliga al espectador a viajar mentalmente entre estas dos épocas.
Mounir Fatmi intenta aquí combinar de una manera inesperada esferas de creencias que a menudo se ven como antagónicas. Por un lado, la ciencia, el orden, la razón y la concreción; por el otro, la religión, y el universo de la fe, lo milagroso y lo sagrado.
Fotografía pública. Los años sesenta. VV.AA.
- Comisario: Horacio Fernández
- Organiza: CentroCentro
- Fecha: 03.06 – 02.10
Una exposición que explora el poder de la imagen en las páginas de libros, revistas, periódicos… y su valor documental e informativo, así como el papel de los fotógrafos como generadores de opinión.
Siguiendo la estela de la exposición Fotografía pública en em MCARS, Los años sesenta recoge imágenes de este prolijo periodo histórico, desde la Beatlemanía a la liberación sexual, la lucha por los derechos civiles o la llegada del hombre a la Luna, todas ellas aparecidas en publicaciones fotográficas.
