PHotoESPAÑA celebra en 2022 su 25 aniversario. El 16 de junio de 1998 se inauguraba en Madrid la primera edición de esta cita cuyo principal objetivo era otorgar a la fotografía un lugar relevante en las instituciones públicas, así como visibilizar el trabajo de las galerías.

Más de 4.000 fotógrafos han pasado por el Festival en estos años en los que PHotoESPAÑA ha contado con más de 1800 exposiciones.

A lo largo de sus sucesivas ediciones ha consolidado su compromiso con la fotografía convirtiéndola en una disciplina imprescindible en las principales salas de exposiciones de la capital y trasladándose a otras ciudades de nuestro país como Alcalá de Henares, Cuenca, Santander, Valladolid y Zaragoza.

Junto con estas sedes, PHotoESPAÑA 2022 estará presente en once países de todo el mundo que se han unido a la celebración del aniversario. La XXV edición del Festival presentará entre el 1 de junio y el 28 de agosto, 120 exposiciones de 442 fotógrafos y artistas visuales.

Conscientes de la importancia de la imagen en la sociedad contemporánea el Festival abordará cuestiones de actualidad y que reflejan algunas de las inquietudes actuales de la sociedad. La forma en la que la fotografía refleja el mundo actual; la fotografía documental; la visibilización de mujeres fotógrafas que fueron determinantes en su época; la fotografía española; o las nuevas vías de expresión en el campo de la fotografía y las artes visuales serán algunos de los principales ejes de la programación.

Cubierta de una revista años 60
Shashin Eizo / The Photo Image 8 / Tokyo Shashin Hyoron-sha Spring 1971 / Diseño Tadanori Yokoo / Cubiertas de revista

Vicent Todolí y Sandra Guimarães serán los comisarios invitados de PHotoESPAÑA 2022 y bajo el título Sculting reality ofrecerán una panorámica sobre lo mejor de la fotografía documental en tres muestras colectivas y un encuentro con fotógrafos.

Con este programa, los comisarios proponen un recorrido por la historia de la fotografía y el estilo documental, desde sus inicios en los años treinta del siglo XX hasta la actualidad, a partir de la investigación de los fondos de la Colección Per Amor a l’Art. Todo ello a través de tres exposiciones colectivas y un encuentro.

Un programa que incluirá trabajos de: Walker Evans, Manuel Álvarez Bravo, Garry Winogrand, Lee Friedlander, Helen Levitt, Louis Faurer, Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Joel Meyerowitz, Tod Papageorge, Anthony Hernandez, Mike Mandel, Harry Callahan, Susan Meiselas, David Goldblatt, Jürgen Schadeberg, Edward Ruscha, Bern & Hilla Becher, Lewis Baltz, Humberto Rivas, Luigi Ghirri, Ian Wallace, Xavier Ribas, Bleda y Rosa, Yto Barrada y Paul Graham.

Por su parte, las nuevas voces de la fotografía se reunirán en la muestra Híbridos, con los trabajos de los autores seleccionados por los miembros de la plataforma internacional Futures Photography, organismo que fomenta la movilidad y visibilidad de los fotógrafos emergentes.

Made in rice
Author: Hien Hoang Title: Made in Rice: Layers Description: Still from the performance work “Made in Rice” Year: 2021 © courtesy of Hien Hoang

Participarán en esta muestra: Maija Savolainen, Carlos Alba, Hien Hoang, Emily Graham, Eva Kreuger, Marta Bogdanska, Alexey Shlyk, Valeria Cherchi, Io Sivertsen, Lena Dobrowolska & Teo Ormond Skeaping y Jean Vincent Simonet.

Además, PHotoESPAÑA ofrecerá una completa panorámica de la fotografía actual en El Líbano en una muestra colectiva con la obra de doce fotógrafos que, a partir del medio fotográfico, reflexionan sobre los acontecimientos que han vivido en su país en los últimos años.

Fotografía de una mano de una anciana con flor amarilla
Tell-the-trees-to-smile-18-by-Myriam-Boulos-2021

En su XXV aniversario, PHotoESPAÑA ofrecerá una mirada también a la fotografía española, con obras de fotógrafos ya consagrados; autores de media carrera, así como atendiendo a las propuestas de las voces más jóvenes de la fotografía. El Festival rendirá homenaje a dos grandes de la fotografía nacional: Carlos Pérez Siquier, –fallecido hace menos de un año– y Francesc Català Roca –en el centenario de su nacimiento–.

Además, contará con exposiciones individuales de autores como: Alberto García- Alix –quien inauguró la primera edición del Festival en 1998– Javier Campano, Juan Baraja, Aleix Plademunt, Ana Palacios, Estela de Castro, Ana Nance o Marta Soul, entre otros.

La mirada femenina en la fotografía llegará de la mano de tres grandes nombres de la fotografía internacional que contarán con muestras monográficas: Kati Horna –cronista fundamental de la Guerra Civil Española, en una exposición en la que se podrá ver también el trabajo de su compañera Margaret Michaelis–; Germaine Krull –una de las autoras más destacada de la vanguardia francesa de los años 20, con un trabajo, en esta ocasión de profundo valor documental– y Tina Modotti –una de las personalidades más interesantes de la fotografía del pasado siglo y testigo de uno de los periodos más convulsos de la historia de México–.

Tina Modotti
Edward Weston, Tina Modotti y el artista Miguel Covarrubias, 1925, Ciudad de México © Edward Weston. Courtesy: Galerie Bilderwelt, Reinhard Schultz.

Patrimonio Nacional se sumará por primera vez como sede de PHotoESPAÑA con programación en espacios tan emblemáticos como el Palacio Real o el Panteón de Hombres Ilustres. El primero acogerá una muestra, comisariada por el Festival que establecerá un diálogo entre las Colecciones Reales y la obra de Sebastião Salgado. Por su parte, el Panteón de Hombres Ilustres contará con una instalación de la artista Beatriz Ruibal.

Alcalá de Henares, Cuenca, Santander, Valladolid y Zaragoza acogerán propuestas dentro de la Sección Oficial del Festival. Y otras ciudades españolas como Elche y Ferrol se sumarán por primera vez a la programación.

Además, dentro de las celebraciones del XXV aniversario, 26 instituciones, museos y centros culturales de España, Europa y América, han querido sumarse al programa de PHotoESPAÑA 2022 con su programación.

El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (Avilés); Es Baluard (Palma de Mallorca); MUSAC (León); el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear (Cáceres); el Museo Guggenheim (Bilbao); el Centro Pompidou (Málaga); el Centro Colección Museo Ruso de San Petersburgo (Málaga) son algunas de las sedes nacionales.

C/O Berlín (Alemania); Arte Coa (Portugal); Fototeca de Cuba (Cuba); PhotoIreland (Irlanda); Museum of Contemporary Photography (Estados Unidos); Photo Romania (Rumanía) o Fotomuseum Winterthur (Suiza), son algunas de las sedes internacionales.

Sculpting Reality

El término “estilo documental”, acuñado así por el fotógrafo estadounidense Walker Evans, tuvo una gran influencia en la fotografía desde comienzos del siglo XX. En un principio heredero de otros tipos de fotografía como el reportaje o el fotoperiodismo, el estilo documental evoluciona para integrarse en la fotografía artística.

Se desmarca por la intención de representar la realidad de un modo puro y transparente, a su vez reflexionando sobre cuestiones como la experimentación con el lenguaje fotográfico, la serialidad, el documento como “huella”, la puesta en escena y su veracidad, la idea de archivo, las tipologías o el concepto de la subjetividad.

En 1971, Evans afirma que “un ejemplo de documento literal sería la fotografía policial de un crimen. Un documento tiene una utilidad, mientras que el arte es realmente inútil. Así, el arte nunca es un documento, pero puede adoptar su estilo”.

Fotografía de Semana Santa en Málaga
©Yoel Meyerowitz. Semana Santa, Malaga, Spain 1967. Impresión cromogénica / Chromogenic print

En definitiva, el fotógrafo que adopta el estilo documental aspira a reflejar la realidad del mismo modo que un escultor: eliminando de su obra final todo aquel material que no forma parte de la pieza. Así, el título del programa, Sculpting Reality, hace alusión a Sculpting in Time: Reflections on the Cinema (1985), una publicación de Andréi Tarkovski que presenta al cineasta como alguien que “esculpe en el tiempo”.

Sculpting Reality versará sobre la fotografía de estilo documental como documento y estética, a partir de la investigación de los fondos de la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art (Valencia). Para ello, se realizará una gran exposición colectiva en dos sedes, el Círculo de Bellas Artes y Casa de América, así como un ciclo de encuentros públicos con destacados artistas internacionales.

Fotografía en blanco y negro a las sales de plata
©VEGAP + contacto con estate del artista a través de Luisotti Gallery. Lewis Baltz FOS Sector 80 1980 Fotografías a las sales de plata / Gelatin silver prints

La muestra propone un recorrido por la historia de este género, abordado a través de diferentes tiempos, contextos y geografías. Iniciándose en los años 1930, presenta la obra de pioneros fotógrafos estadounidenses como el mismo Walker Evans, Robert Frank, Helen Levitt o Louis Faurer, y finaliza en la actualidad, con una amplia selección de artistas contemporáneos que han adoptado este estilo documental en su práctica desde lo conceptual, como Ian Wallace, Bleda y Rosa o Paul Graham, pasando por otros fundamentales en la consolidación del estilo a lo largo del siglo XX, como Lee Friedlander, Garry Winogrand, Tod Papageorge o Anthony Hernandez, entre otros.

Fotografía de Thomas Zander
©Thomas Zander. Tod Papageorge New York. De la serie / From the series Dr. Blankman’s New York 1966-67 Impresiones digitales. Copias actuales / Digital prints. Current copies

Sculpting Reality es una oportunidad excepcional para reflexionar, desde la mirada de más de 30 autores contemporáneos, nacionales e internacionales, sobre el crucial papel de la fotografía de estilo documental como elemento de reinterpretación y confrontación con la realidad, a través de obras que ejemplifican las complejidades del pasado y del presente, y que continúan hoy dando forma a la vida.

Fotografía de un campo con gasolinera antigua
©Justine Hauer / Galería MAI 36. Luigi Ghirri Carpi 1973 Impresión cromogénica / Chromogenic print

Sculpting Reality. Colectiva

  • Comisarios: Sandra Guimarães y Vicent Todoli
  • Organiza: Círculo de Bellas Artes, Fundació Per Amor a l’Art, Bombas Gens Centre d’Art y PHotoESPAÑA
  • Fecha: 01.06 – 04.09

Esta exposición presenta una amplia selección de series fotográficas pertenecientes a la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art, que trazan un recorrido por la historia de la fotografía de estilo documental desde sus inicios a comienzo del siglo XX hasta la contemporaneidad.

Rodeo Drive 1984 por Anthony Hernández
Gestionado con su estate a través de Thomas Zander (Galerie Zander). Anthony Hernandez, Rodeo Drive, 1984. Colección Per Amor a l’Art. © Anthony Hernandez, courtesy Galerie Thomas Zander, Cologne

A través de diferentes miradas y contextos geográficos, este conjunto de obras permite observar un amplio espectro de intenciones estéticas y conceptuales que, a pesar de surgir –en su mayoría– del mero hecho fotográfico como forma inequívoca de presentar la realidad sin artificios, dejan a su paso una colección de imágenes que reflexionan sobre la capacidad narrativa de lo documental y su relación con la veracidad, la interpretación y construcción de la escena, y el potencial de la fotografía como documento para encarnar posiciones políticas en su aspiración por inmortalizar las realidades sociales, políticas y culturales de los lugares que retrata.

Sculpting Reality. Colectiva

  • Comisarios: Sandra Guimarães y Vicent Todoli
  • Organiza: Casa de América, Fundació Per Amor a l’Art, Bombas Gens Centre d’Art y PHotoESPAÑA
  • Fecha: 01.06 – 04.09

Esta muestra, complementaria a la selección de obras y artistas presentes en el Círculo de Bellas Artes, descubre, por un lado, los orígenes de la fotografía de estilo documental de la mano de un conjunto de artistas considerados los pioneros de esta categoría estética en el contexto estadounidense –Louis Faurer, Robert Frank o Helen Levitt– y su consolidación a través de publicaciones como Double Elephant Press –de la mano de artistas como Walker Evans, Manuel Álvarez Bravo, Garry Winogrand y Lee Friedlander.

Retrato de James Agee por Walker Evans
©The Met Museum. Walker Evans. Portrait of James Agee. De la serie / From the series Double Elephant Portfolio – Selected Photographs 1937 Fotografía a las sales de plata. Copia de 1974 / Gelatin silver print. 1974 copy

Por otro lado, presenta otro conjunto de obras como referencia a la entrada del color en este género a partir de la década de los 60 en adelante, con los trabajos de fotógrafos como Anthony Hernandez, Tod Papageorge, Mike Mandel o Harry Callahan.

Fotografía de los años 60 en color
©Thomas Zander. Tod Papageorge New York De la serie / From the series Dr. Blankman’s New York 1966-67 Impresiones digitales. Copias actuales / Digital prints. Current copies

La serie Double Elephant Portfolio – Selected Photographs resulta clave para entender el inicio de la fotografía de estilo documental. Entre 1973 y 1974, Lee Friedlander y Burt Wolf seleccionaron quince fotografías de cuatro autores que habían publicado en Double Elephant Press: Walker Evans, Manuel Álvaro Bravo, Garry Winogrand y el propio Friedlander –dado que la fotografía documental se entendía en relación al reportaje o fotoperiodismo y, en consecuencia, se mostraba habitualmente en periódicos y revistas–.

Los autores del porfolio reflejan el inicio de ese estilo documental y la influencia que sobre él llegaron a ejercer autores como Evans, pero también la necesidad de algunos fotógrafos –como es el caso de Winogrand– por experimentar con este lenguaje. Además, este conjunto se acompaña de otras obras de Friedlander –las popularmente conocidas como “The Little Screens”– y Winogrand –la serie 15 Big Shots– para contextualizar el trabajo de estos artistas.

En la serie Rodeo Drive (1984), Anthony Hernandez presenta un cuerpo de trabajo de 41 fotografías en las que retrata a los transeúntes que pasean por el pasaje comercial de Beverly Hills: evidencia la complejidad de los espacios urbanos, la disparidad económica y la división racial. Como afirmó Lewis Baltz: «estos son los vencedores… disfrutando del botín de su victoria en Rodeo Drive».

Fotografía en Rodeo Drive por Anthony Hernández
©Thomas Zander. Anthony Hernandez Rodeo Drive 1984 Impresiones Cibachrome / Cibachrome prints 32,4 x 49 cm c.u. / each
Fotografía de Anthony Hernández
©Thomas Zander. Anthony Hernandez. Rodeo Drive. 1984. Impresiones Cibachrome / Cibachrome prints 32,4 x 49 cm c.u. / each

Sculpting reality. El valor de la imagen. Encuentro con Ian Wallace, Meiselas y Bleda y Rosa

  • Comisarios: Sandra Guimarães y Vicente Todoli
  • Organiza: Fundación Telefónica y PHotoESPAÑA
  • Fecha: Junio 2022

El programa de encuentros de esta edición brindará una oportunidad excepcional para adentrarse en la fotografía de estilo documental –entendido como documento y estética. Mediante la reflexión y debate, se pondrá el foco en la perspectiva de grandes artistas representativos de este género.

Se contará con la presencia de los artistas internacionales Ian Wallace (1943, Shoreham, UK) y Susan Meiselas (1948, Baltimore, USA), así como el dúo de fotógrafos españoles Bleda y Rosa conformado por María Bleda (1968, Castellón) y José María Rosa (1970, Albacete), quienes recibieron el Premio Nacional de Fotografía en 2008.

Los artistas invitados trabajan la imagen desde la necesidad de cuestionar y pensar la realidad que nos rodea. Asimismo, forman parte de las exposiciones del programa “Sculpting Reality” y de la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art (Valencia) Bleda y Rosa están presentes en la exposición Sculpting Reality con Campos de futbol, una serie de fotografías que documenta estos espacios habituales en las afueras de los pueblos que han ido desapareciendo.

Aluden, así, a una memoria y a una forma de ocupar el territorio que comportan otros significados más allá de la imagen. De Ian Wallace se muestra La piscina de Las Arenas, una serie que no solo documenta la arquitectura, sino también la memoria de quienes veranearon en las instalaciones del icónico balneario valenciano, construido en 1934.

Fotografía de Ian Wallace denominada La piscina de Las Arenas
Ian Wallace, La piscina de Las Arenas V, 1998. Colección Per Amor a l’Art © Ian Wallace

Finalmente, de Susan Meiselas se exhibe Carnival Strippers, la serie en la que documentó, entre 1972 y 1975, la vida de mujeres strippers. Con estas imágenes, Meiselas capturó los espectáculos que realizaban, pero también las actitudes de los espectadores, abordando así la objetualización del cuerpo de la mujer, pero también su vida privada y cómo esta opción suponía una forma de libertad para muchas de ellas.

Exposiciones en Madrid. Colabora Patrimonio Nacional

Por primera vez y para celebrar el 25 Aniversario del Festival, Patrimonio Nacional y PHotoESPAÑA colaboran, a través de las Colecciones Reales, en un diálogo entre la fotografía y las artes visuales contemporáneas y los fondos de fotografía histórica custodiados por el Archivo General de Palacio y la Real Biblioteca del Palacio Real de Madrid.

Las cajas de Ámsterdam: Katia Horna y Margaret Michaels en la Guerra Civil

  • Comisaria: Almudena Rubio
  • Organiza: Diputación de Huesca; International Institute of Social History: IISG y PHotoESPAÑA
  • Colabora: Calcografía Nacional. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
  • Fecha: Consultar fechas en phe.es

PHotoESPAÑA pone el foco en grandes fotógrafas de la historia cuyo trabajo no ha sido suficientemente reconocido, en esta ocasión con un testimonio único sobre la Guerra Civil Española.

Esta exposición recoge la obra inédita de las dos fotorreporteras anarquistas, Margaret Michaelis y Kati Horna, que se consideró perdida durante décadas. Margaret Michaelis (Dziedzice,1902-Melbourne,1985) y Kati Horna (Budapest, 1912-México, 2000) pusieron sus cámaras al servicio de la Revolución Social impulsada por los anarquistas y anarcosindicalistas de la CNT-FAI durante la Guerra Civil Española.

A diferencia de lo que se ha pensado hasta ahora, sus fotografías de la guerra no cayeron en manos franquistas ni desaparecieron entre las ruinas de los bombardeos, sino que se encontraban en el archivo de las Oficinas de Propaganda Exterior de la CNT-FAI donde trabajaban.

Al terminar la Guerra Civil, el archivo logró salvaguardar sus fondos enviándolos al Instituto Internacional de Historia Social de Ámsterdam, donde permanecieron prácticamente invisibles hasta 2016, cuando se organizaron sus archivos y se creó y se publicó su inventario.

Aunque no existe documentación en el archivo de la FAI que lo corrobore, durante los primeros meses de guerra, Margaret Michaelis, asentada en Barcelona desde 1933, trabajaría para la Sección Gráfica convirtiéndose en la fotógrafa de confianza de los anarquistas.

Prueba de ellos son los viajes que llevaría a cabo en calidad de fotógrafa junto a la anarquista rusa Emma Goldman (1869-1940) y el anarcosindicalista holandés Arthur Lehning (1899-2000) en otoño de 1936, organizados por los compañeros de las oficinas de propaganda.

Fotografía en blanco y negro de Margaret Michaelis
Albalate-de-Cinca-1936-Margaret-Michaelis-Archivo-Fotografico-de-las-Oficinas-de-Propaganda-Exterior

Viajes que Michaelis recogió con su cámara y que han sido identificados, entre otros trabajos de la fotógrafa, en el Archivo. Aquella situación cambiaría sin embargo con la llegada de Kati Horna en enero de 1937.

Con el nombre de Catalina Polgare, y junto a su marido, el húngaro Paul Polgare (1911-1964), llegó a la Barcelona antifascista para convertirse en la fotógrafa oficial de los anarquistas y de su agencia fotográfica, la Spanish Photo Agency, conocida entonces como Photo SPA. Una experiencia, la de la agencia, que le permitiría ver publicadas sus fotografías en revistas de proyección internacional como la británica “Weekly Illustrated”.

Fotografía de Kati Horna
Frente-de-Aragon-1937-Kati-Horna

En julio del 37 Horna se traslada a Valencia y trabaja como redactora gráfica de la revista “Umbral’’. Quedaban atrás siete meses de duro trabajo en las Oficinas de Propaganda que se vieron materializados en la publicación del álbum “¿España? Un libro de imágenes sobre cuentos y calumnias fascistas’’ y en cientos de negativos tomados con su habitual cámara rolleiflex que hoy nos permiten entender su mirada y su relación con los anarquistas.

Fotografía del Frente de Aragón por Kati Horna
Frente-de-Aragon-1937-Kati-Horna-Archivo-Fotografico-de-las-Oficinas-de-Propaganda-Exterior-de-la-CNT-FAI-IISG-Amsterdam

A mediados de 1938, Kati Horna viajaría a París para conseguir material fotográfico, escaso en Barcelona, y ya nunca regresaría.

Luces o sombras de lo que fue y sigue siendo. VV.AA.

  • Comisarios: Tarek Haddad y Betty Ketchedjian
  • Organiza: Casa Arabe y PHotoESPAÑA
  • Fecha: 01.06 – 25.09

Exposición del proyecto ganador de la segunda edición de la convocatoria NUR, de Casa Árabe y PHotoESPAÑA con obras de 12 autores agrupados en torno al Colectivo 1200 de El Líbano.
Esta convocatoria tiene como objetivo dar visibilidad y difusión a proyectos que ofrezcan una mirada sobre diversos aspectos de las sociedades árabes, desde una perspectiva curatorial contemporánea.

Casa Árabe y PHotoESPAÑA pusieron en marcha, en 2021, la convocatoria NUR con el objetivo de dar visibilidad, a través del Festival, a las propuestas más interesantes de la fotografía árabe contemporánea. El proyecto ganador de la segunda edición Luces o sombras de lo que fue y sigue siendo, presenta los trabajos de un grupo de artistas agrupados en torno al Colectivo 1200 de El Líbano.

Este colectivo nació como mecanismo de respaldo y apoyo mutuo entre los autores durante los momentos más complejos del país desde finales de 2019 y tras la explosión del puerto de Beirut. Los doce fotógrafos libaneses que participan en la muestra reflexionan, a través del medio fotográfico, sobre una gran cantidad de acontecimientos que han vivido y presenciado en el Líbano a lo largo de los últimos años.

Fotografía de una persona entre escombros por la guerra
Rima-Maroun-2020

La exposición transmite la urgencia por contar los acontecimientos y la realidad vivida a lo largo de los últimos años mediante el relato de experiencias personales y colectivas entrelazadas que se presentan a modo de metáfora de las vidas de los libaneses: “nuestras vidas parecen girar en un bucle sin fin en el que estamos atrapados, en el que la historia se repite”.

Ramo de flores
Tell-the-trees-to-smile-by-Myriam-Boulos-2020

Esta exposición colectiva y coral supone también un reto a la función referencial de la fotografía al presentar distintas series de trabajos a modo de red y necesariamente interconectados entre sí.

La luz cegadora. Mounir Fatmy

  • Comisarios: Mounir Fatmi y ADN Galería
  • Organiza: Casa Árabe
  • Colabora: ADN Galería
  • Fecha: 16.06 – 18.09

Un proyecto artístico y expositivo inspirado por el Retablo de San Marcos, pintado por Fra Angélico en 1440. Una oportunidad única para descubrir, de la mano de este artista, los puntos en común entre el Renacimiento y la Modernidad.

Sala de operaciones en fotografía en blanco y negro
Mounir-Fatmi-Sala-de-operaciones-de-Lausana.-copyright-mounir-fatmi-Cortesia-del-artista-y-de-ADN-Galería

La luz cegadora es un proyecto artístico y expositivo con obras del artista Mounir Fatmi (Tánger, 1970), inspirado en el Retablo de San Marcos, de Fra Angelico que muestra los milagros realizados por San Cosme y San Damián, patronos de los cirujanos y farmacéuticos.

Fotografía La Luz Cegadora
Mounir-Fatmi-The-Blinding-Light-Cortesia-del-artista-y-de-ADN-Galeria

Mounir Fatmi ha realizado a lo largo de su carrera una serie de fotomontajes con varias imágenes que muestran un quirófano -con su equipamiento tecnológico y sus medidas de higiene- que se superpone a una de las escenas milagrosas que se recogen en el retablo de Fra Angelico.

Fotografía La luz cegadora de Mounir Fatmi
Mounir-Fatmi-The-Blinding-light-001-Cortesia-del-artista-y-de-ADN-Galería

Así, el personal médico se sitúa junto a los dos santos formando un mismo grupo de trabajo. De esta manera, los fantasmas y las personas vivas están presentes en otra forma de realidad, una temporalidad fantasiosa tan milagrosa como la escena bíblica.

La muestra establece una asociación entre el Renacimiento y la hipermodernidad. Esta elipsis temporal que superpone diferentes tiempos y espacios, acerca la ciencia y la tecnología a un mundo que solía estar gobernado por milagros divinos. Los personajes en la pintura se convierten así en fantasmas. Esta discrepancia obliga al espectador a viajar mentalmente entre estas dos épocas.

Detalle de Fotografía de Mounir Fatmi
Mounir-Fatmi-The-angels-black-leg-Cortesia-del-artista-y-de-Collection-Queensland-Art-Gallery-of-Australia

Mounir Fatmi intenta aquí combinar de una manera inesperada esferas de creencias que a menudo se ven como antagónicas. Por un lado, la ciencia, el orden, la razón y la concreción; por el otro, la religión, y el universo de la fe, lo milagroso y lo sagrado.

Fotografía pública. Los años sesenta. VV.AA.

  • Comisario: Horacio Fernández
  • Organiza: CentroCentro
  • Fecha: 03.06 – 02.10

Una exposición que explora el poder de la imagen en las páginas de libros, revistas, periódicos… y su valor documental e informativo, así como el papel de los fotógrafos como generadores de opinión.

Siguiendo la estela de la exposición Fotografía pública en em MCARS, Los años sesenta recoge imágenes de este prolijo periodo histórico, desde la Beatlemanía a la liberación sexual, la lucha por los derechos civiles o la llegada del hombre a la Luna, todas ellas aparecidas en publicaciones fotográficas.

Portada de un disco
Caetano Veloso | Philips Brasil 1968 | Diseño Rogerio Duarte | Foto David Drew Zingg | Portada de disco

Hace veinte años la exposición Fotografía pública presentó en el MNCARS una selección de revistas, carteles y libros publicados en los años de entreguerras. En lugar de copias enmarcadas de tirada limitada y revelado artesanal, ahora había imágenes de tinta de imprenta.

Libros
Author: Marta Bogdanska. Artist book, published by Visual Arts Foundation and Landskrona Foto, 2021

De este modo, Fotografía pública demostraba que el lugar de las fotos no está en la pared, sino en la página. Algo difícil de digerir para el mercado del arte, la academia y los museos, pero evidente para el público y los fotógrafos. Hoy más que nunca, cuando los foto libros son el principal medio de comunicación de los fotógrafos y las fotos viven tanto en las viejas páginas de papel como en las nuevas de las pantallas de plasma.

En Fotografía pública había gente, información y noticias, propaganda política y publicidad comercial, aventuras y viajes, experiencias cotidianas, calles, mercancías y trabajo, erotismo, moda y costumbres, ciudades y paisajes, naturaleza y ciencia de los años veinte y treinta, cuando todo lo visible se fotografiaba y publicaba para una audiencia enorme, tanto en número (prácticamente todo el mundo) como en curiosidad.

La explosión de lo fotográfico se multiplica durante los años sesenta, una época más propicia a la cultura de masas que a la alta cultura. La prevalencia de las revistas, la propaganda y la publicidad jamás ha sido mayor. Los reportajes fotográficos son best-sellers capaces de generar opinión pública en asuntos como la guerra del Vietnam.

Ahora la política se ventila en revistas y carteles. Todo se vende con fotos. Las editoriales publican multitud de foto libros, entre ellos las obras maestras de Richard Avedon, Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada, William Klein, Irving Penn, Shomei Tomatsu o Ed van der Elsken. Los artistas encuentran la fotografía. Tanto el Pop Art de Andy Warhol como el Kapitalistischer Realismus de Gerhard Richter recurren a las fotos. Es el tiempo de la música pop, distribuida en discos con fundas fotográficas.

Portada de un disco
We’re Only In It For The Money | The Mothers of Invention | Verve USA 1967 | Diseño Cal Schenkel | Portada de disco

Los rostros de las estrellas musicales y demás ídolos de masas protagonizan la moda de los posters, que se cuelan en los hogares sin dejar las calles, atestadas de carteles cinematográficos, propaganda política y anuncios de conciertos, algunos tan brillantes como los de la escena psicodélica californiana.

Todo lo que sucede a escala planetaria está en las fotos impresas. De las guerras coloniales, las revueltas contra la segregación racial y la lucha por los derechos civiles a los asesinatos de Kennedy, Luther King o el Che Guevara. De la Beatlemanía y el Swinging London a las comunas hippies, la liberación sexual, el amor libre, el feminismo, Woodstock y Monterrey, la vida de la calle o los paraísos artificiales.

Cubierta de revista
Shashin Eizo / The Photo Image 8 / Tokyo Shashin Hyoron-sha Spring 1971 / Diseño Tadanori Yokoo / Cubiertas de revista

Los años sesenta son el último momento optimista del siglo pasado, una época capaz de vivir al día y proponer utopías que las publicaciones fotográficas cuentan y muestran con todo detalle. Una ficción alegre y un viaje estimulante que incluye tanto las barricadas de mayo de 1968 y los tanques rusos en Praga como el paseo lunar y el ácido lisérgico.

Cubierta de revista
Sunday Times Magazine / London, August 24, 1969 / Foto “A Prague Photographer” (Josef Koudelka) | Cubierta de revista

Híbridos. Forjando nuevas realidades como contra-narrativa. VV.AA

  • Comisaria: Marina Paulenka
  • Organiza: FUTURES. Programa Europa Creativa de la Unión Europea y PHotoESPAÑA
  • Colabora: CentroCentro
  • Fecha: 03.06 – 28.08

Exposición que reúne los trabajos de los fotógrafos seleccionados por PHotoESPAÑA para participar en la plataforma internacional Futures Photography. Maija Savolainen, Carlos Alba, Hien Hoang, Emily Graham, Eva Kreuger, Marta Bogdanska, Alexey Shlyk, Valeria Cherchi, Io Sivertsen, Lena Dobrowolska & Teo Ormond Skeaping y Jean Vincent Simonet han sido seleccionados por el Festival y pasaran a formar parte de esta plataforma que fomenta la movilidad y visibilidad de los fotógrafos emergentes.

Tras un año de idas y venidas e incertidumbres, la realidad actual es todo menos equilibrada. Olas de contra narrativas continúan floreciendo y subvirtiendo nuestra base de conocimientos, alterando todos los parámetros que marcaban los sentidos de ser y de pertenencia.

Fotografía Emily Graham
Emily Graham

En Europa, las nuevas generaciones tratan de fomentar una nueva alfabetización cultural. Aunque parece difícil ser capaces de definir una dirección en un ambiente de tanto desorden. Dentro de este clima de experimentación híbrida, estamos presenciando cómo se forjan nuevas realidades cada día. ¿Qué nuevas formas de hacer, narrar y comprender están aquí para quedarse, y qué podemos hacer con el horizonte que tenemos por delante?

Estos once artistas explorarán estas cuestiones en esta muestra. Estos fotógrafos fueron seleccionados a través de una convocatoria abierta entre los autores que forman parte de la plataforma Futures Photography, creada en 2018. PHotoESPAÑA seleccionó a Carlos Alba que se une al resto de autores seleccionados por el resto de las instituciones europeas que forman parte de este proyecto.

Una propuesta híbrida en la que, desde diferentes medios, en diálogo con la fotografía se investiga el impacto de la tecnología y la sobre la Humanidad y el mundo natural.

Futuros escenarios
Lone palm, Daulatkhan, Bhola Island, Bangladesh, from Future Scenarios by Lena Dobrowolska & Teo Ormond- Skeaping, (2017)FUTURE SCENARIOS
Futuros escenarios
September’s ration distribution, Zone 2, village 8, Bidi Bidi Refugee Settlement, Yumbe District, Uganda, from Future Scenarios by Lena Dobrowolska & Teo Ormond- Skeaping,(2017)

Armonía. Ana Palacios

  • Comisaria: Carolina Rojo
  • Organiza: f / DKV, Centro de Fotografía con Causa; Circulo de Bellas Artes y PHotoESPAÑA
  • Fecha: 01.06 – 04.09

La fotógrafa Ana Palacios se sumerge en el día a día y la fundamental labor de aquellos que dedican su vida al rescate, protección y cuidado de los animales. Un proyecto con el que la artista quiere concienciar sobre el impacto que la ganadería industrial tiene sobre la degradación del planeta Armonía (nombre de una de sus protagonistas) es un proyecto de fotografía documental que explora la vida en los santuarios de animales, espacios dedicados a la protección y cuidado de animales rescatados, en su mayoría, de la industria de la ganadería intensiva.

Fotografía de Ana Palacios de una oveja
©ANA-PALACIOS

Detrás de estos lugares existe no solo una filosofía de conservación medioambiental, sino una nueva propuesta de relación entre humanos y naturaleza basada en el respeto a los animales. Los curan, los protegen y conviven con ellos en un entorno seguro hasta que mueren de forma natural.

Fotografía de Ana Palacios
©ANA-PALACIOS

Vivimos en uno de los momentos de mayor conciencia medioambiental de la historia. Los recursos naturales se agotan a un ritmo vertiginoso. La conexión entre el sector de la ganadería industrial y la degradación del planeta –en forma de contaminación, deforestación y desertización– está en el centro de las denuncias de quienes apuestan por reducir, incluso eliminar, la carne de la cadena alimentaria industrial para frenar su devastadora huella ecológica.

Ganadera con una cerda
©ANA-PALACIOS

Este proyecto se sumerge en la vida cotidiana de la Fundación El Hogar Animal, el santuario más antiguo de España y de la Fundación Santuario Gaia, para explorar la visión y los valores de sus fundadores, así como las historias detrás de los animales rescatados. Ambas fundaciones forman parte de PYMEF, la Asociación Española de Pequeñas y Medianas Fundaciones, germen de este proyecto.

Un gato cogido por una mujer
©ANA-PALACIOS

El objetivo de estas fotografías es visibilizar su trabajo, concienciar sobre el impacto en el planeta de la industria de la ganadería intensiva, y mostrar alternativas sostenibles existentes que son respetuosas con el planeta y con todos sus habitantes.

tatuaje en un hombre de un ciervo
©ANA-PALACIOS

Concurso Internacional de Fotografía Esperanza Pertusa. Colectiva

  • Organiza: Círculo de Bellas Artes, Fundación Esperanza Pertusa y PHotoESPAÑA
  • Fecha: 15.09 – 16.10

Exposición de los ganadores en la segunda convocatoria del Concurso Internacional de Fotografía Esperanza Pertusa. El objetivo de este Concurso es premiar y difundir la obra de artistas, profesionales o amateurs, que inspiran una transformación social positiva, al abordar en sus proyectos la situación de pobreza y exclusión social que viven millones de seres humanos en el mundo.

Los habitantes de Ana Palacios
©ANA-PALACIOS

La sala Minerva del Círculo de Bellas artes acogerá en la XXV edición de PHotoESPAÑA una exposición con los ganadores de la segunda edición del Concurso internacional de Fotografía Esperanza Pertusa.

Conocer la realidad es el primer paso para tomar conciencia y ejecutar acciones, por pequeñas que sean, que conduzcan a una transformación. Este Concurso de Fotografía quiere premiar e incentivar a artistas de la fotografía, profesionales o amateurs, que nos aproximan a esta realidad, atrapando con el poder de la mirada a quien observa, incitándole a conocer más de aquello que nos habla; invitándole, en última instancia, a ser parte de esa fuerza de transformación social que invocamos.

Los habitantes
©ANA-PALACIOS

El jurado estará compuesto por Isabel Muñoz, fotógrafa española reconocida con el Premio Nacional de Fotografía de España 2016 y dos World Press Photo; Claude Bussac, Directora general de festivales y exposiciones de La Fábrica y directora de PHotoESPAÑA; y Ana Palacios, Premio de la 1ª Edición del Concurso Internacional de Fotografía Esperanza Pertusa. Periodista y fotógrafa documental enfocada en temas de derechos humanos.

Los habitantes de Ana Palacios
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Matter. Aleix Plademunt

  • Comisario: Antonio Xoubanova
  • Organiza: Comunidad de Madrid. Consejería de Cultura, Turismo y Deporte. Dirección General de Promoción Cultural. Subdirección General de Bellas Artes
  • Patrocina: Fujifilm
  • Colabora: Dinasa
  • Fecha: 13.05 – 24.07

Aleix Plademunt analiza en este proyecto una de las cuestiones más antiguas de nuestra existencia: el origen. A través de imágenes realizadas en los últimos a