UVNT Art Fair (Urvanity) ha comisariado el programa artístico que ha convertido Las Rozas Village en un polo de atracción del Nuevo Arte Contemporáneo. El proyecto Art meets Fashion, creado por Las Rozas Village ha presentado 10 intervenciones site-specific, desarrolladas por algunos de los creadores que están agitando el panorama artístico contemporáneo.
El objetivo es generar un diálogo constante entre dos disciplinas que se retroalimentan: el arte y la moda. A partir de este concepto, cada uno de los artistas invitados ha creado una obra de arte para su interacción con un espacio concreto: algunas fachadas de los diferentes edificios que componen el Village, muros, bulevares alrededor de los cuales se articulan las boutiques o algunos elementos arquitectónicos como porches o zonas de acceso.
Las intervenciones se iniciaron en el mes de febrero coincidiendo con la feria de Nuevo Arte Contemporáneo UVNT. Como última fase del proyecto, uno de los artistas participantes será seleccionado para desarrollar una exposición individual en una galería de arte de Madrid en otoño de 2022. El anuncio del artista escogido se realizará el próximo 6 de junio. Las 10 intervenciones se pueden visitar durante la primavera.
El comité de expertos que se encargado de escoger el artista está compuesto por Ianko López, periodista experto en temas de arte y diseño; Luis Galliussi, interiorista y Curation of Experience de Las Rozas Village; Sara Rubayo, historiadora del arte y divulgadora; Carmelo Rodríguez y Rocío Pina, fundadores del estudio de arquitectos Enorme Studio y Evelyn Joyce, directora de la Fundación Nadine.
Intervenciones en Las Rozas Village
Artista: Margalef
Título: Isósceles
Técnica: Pintura plástica sobre bastidores de madera
Descripción de la obra:
El vínculo con el espacio, un pequeño oasis de vegetación (ciprés, olivo, césped, …) iluminado por el Sol, ofrece una oportunidad para alojar una arquitectura abstracta, de aires mediterráneos. Caracterizada por el color blanco y los detalles de mosaicos cerámicos.
La instalación ofrece un panorama de escuadras triangulares que se desenvuelven en el espacio y crean un conjunto que invade los soportes a merced del cromatismo y la inestabilidad que aportan sus geometrías. La escuadra es una plantilla con forma de triángulo isósceles, posee un ángulo de 90° y dos de 45°.
La esencia de las formas básicas toma lugar en ella gracias a una óptica grafista de raíz geométrica y perspectivas que fragmentan el entorno. La infraestructura volumétrica aporta también espacios para la interacción y la observación de la pieza tanto de cerca como en lejanía.
Biografía del artista: Inspirado por el grafismo del espacio público, Josep Fernández Margalef (Granollers, 1983) experimenta conceptos arquitectónicos mediante una aproximación material y efímera, explorando los límites más allá de ambos campos.
Incorpora una marcada influencia del campo del diseño que se manifiesta tanto en la definición de las composiciones como en la deferencia por el trabajo con materiales de carácter industrial. Sus obras se presentan en formato de series, instalaciones o intervenciones en el espacio público construyendo nuevas cartografías para interactuar con las personas y el entorno.
Artista: Rosh 333
Título: Estructuras en Las Rozas
Técnica: Pintura ignífuga plástica para exterior y esmalte en spray Descripción de la obra: Es una obra de carácter abstracto donde se combinan varios conceptos. Por un lado es un homenaje a las estructuras que podemos encontrar en edificios abandonados. Estos espacios (no-lugares) han inquietado al artista desde muy joven. “Estas “ruinas” envuelven un carácter casi místico para mi”, confiesa.
Por otro lado, la estructura (del latín structūra) es la disposición y orden de las partes dentro de un todo. También puede entenderse como un sistema de conceptos coherentes enlazados, cuyo objetivo es precisar la esencia del objeto de estudio. Para el artista, el objeto de estudio es la pintura en sí.
Cómo se comportan ciertas formas y colores que le son afines en diferentes espacios o soportes, cómo se construyen y destruyen a sí mismas, cómo se comportan entre ellas, cómo se complementan.
“Pienso que la libre interpretación de la persona que ve mi trabajo, es tan importante como la explicación que pueda dar yo. Cada persona percibe de forma distinta su entorno, ahí reside la magia del arte”.
Biografía del artista: La obra de Rosh (Alicante, 1977) se ha forjado realizando intervenciones en el espacio público. Pertenece a un grupo de artistas urbanos que a principios de los años 2000 llamó la atención de la escena internacional.
Fue a raíz de su contacto con esta disciplina que su pulsión creativa despertó hasta convertirse en un polifacético artista: ilustración, pintura, diseño gráfico, muralismo. Es en la pintura donde se siente más cómodo. Sus creaciones en este ámbito conviven con el soporte y buscan un diálogo directo con el público. Todas sus obras parten de una idea inicial o concepto, reforzando mediante el color y la forma, el soporte donde las realiza.
Desde 2010 reside en Madrid. Paralelamente a su trabajo independiente en el espacio público y encargos privados dentro del ámbito de la pintura mural, desarrolla una producción de estudio que se retroalimenta de su obra en exterior, y viceversa.
Artista: Flor Motion
Título: De la naturaleza a la moda
Técnica: Mixta. Flores, telas, ramas intervenidas y pintura plástica
Descripción de la obra: Se trata de una composición de ramas y diferentes elementos vegetales que da forma a un paisaje submarino. En él se incorporan, además, productos textiles muy diversos, conformando un mágico lugar de encuentro.
En este mundo acuático, en esta misma agua que refiere un lugar primigenio, nadan en armonía el arte y la moda. Porque, en ocasiones, cuando la Moda bebe de la Naturaleza y se empapa bien de ella, ambas se convierten en arte.
Biografía de los artistas: Este colectivo, formado por una decena de artistas florales, está especializado en instalaciones efímeras y guerrilla floral. Nació con el objetivo de crear cultura floral para contribuir a humanizar las ciudades.
Artista: Lola Zoido
Título: The Blooming II
Técnica: Vídeo, render 3D
Descripción de la obra: Esta pieza explora la manera en que construimos nuestra realidad mediante procesos digitales a través de diferentes elementos como textiles, gemas o vegetación. Vistiendo un paisaje de un renacimiento o metamorfosis de lo físico a lo digital.
Lo que antes era caduco, ahora es infinito, vivirá para siempre a través de una pantalla. The Blooming invita al espectador a pararse y experimentar de una manera diferente la conexión con la naturaleza.
Biografía de la artista: Lola Zoido (Badajoz, 1994) es una artista que explora la manera en que construimos nuestra realidad mediante procesos digitales. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y actualmente basada en Madrid, su práctica se centra tanto en el resultado virtual como en el material de la producción de imágenes. Su producción combina una mirada desde lo analítico y lo poético sobre las relaciones que surgen en la intersección entre lo digital y lo físico.
Zoido ha participado en exposiciones tanto a nivel internacional como nacional y ha obtenido diferentes becas y residencias; entre ellas, destacan las residencias en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba (2019) y en la Tabacalera, Madrid (2017). También ha expuesto recientemente en la AR Biennale, Dusseldorf (2021); Contemporary & Digital Art Fair (Paris) (2021); Tocar la tierra, Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba (2020) o Face Up, TATE Exchange, Londres (2019).
Artista: Ampparito
Título: Sobre fondo, figura y presión
Técnica: Instalación. Balones de PVC y estructura de acero
Descripción de la obra: Algo tan etéreo como el aire que traspasamos a diario puede servir de soporte. La presión otorga una fuerza capaz de elevar elementos pesados anulando la gravedad. No es extraño ver objetos neumáticos que soportan arcos, muros o cúpulas mientras se restauran.
La interacción de dos materiales opuestos, duro/blando, frío/cálido, rugoso/suave, inmutable/moldeable, pesado/ligero, genera una extraña ternura entre seres inertes. Estos adquieren cualidades humanas, uno adaptándose al otro, contenido en una forma, la figura alterada por un fondo que se convierte en primer plano.
Una composición de cuerpos livianos e hinchables capaces de multiplicar su volumen varias veces, una inflamación que sustrae espacio alterando arquitecturas, aire envuelto que cambia la relación de las personas que lo rodean. Biografía del artista: Ignacio Nevado (Madrid, 1991) o Ampparito, desarrolla su práctica artística principalmente en el espacio público. Por medio de un lenguaje basado en la alteración de la normalidad y los elementos cotidianos busca generar situaciones extrañas, acciones, que den pie desde la reflexión a la contemplación estética o la indiferencia.
En la mayoría de los casos realiza sus intervenciones de manera independiente. Ha trabajado en lugares muy distintos, desde zonas rurales en Castilla y León a ciudades como Oslo, Dubái, San Petersburgo, Milán o Basilea.
Artista: Nicoläs Villamizar
Título: Arte y movimiento en seda
Técnica: Instalación. Pintura, cristal y madera
Descripción de la obra: La obra está llena de color y la línea aparece como elemento protagonista. Inspirada en las composiciones de las pinturas renacentistas, es un claro culto al cuerpo desnudo, imagen de la belleza y de la verdad, donde se mezclan lo abstracto y lo figurativo. Se compone de planos inquietantes, escorzos y encuadres esquivos y habita en ella un impulso espontáneo que la dota de una nostalgia casi reconfortante.
Biografía del artista: La obra de Nicoläs Villamizar (Bogotá, 1982) está llena de color, de planos inquietantes, escorzos y encuadres esquivos y habita en ella un impulso espontáneo que la dota de una nostalgia casi reconfortante.
En sus cuadros hay una mezcla constante de calle y de intimismo que, en conjunto, forman un interesante diario de vida. Combina la pintura, con la ilustración y la dirección creativa para marcas.
Artista: Juay
Título: Colour Village
Técnica: Mixta. Spray, cristal y acrílico Descripción de la obra: Es una representación colorista y alegre de la sociedad interactuando en Las Rozas Village. Aparecen con complementos y ropa actual, creando un diálogo entre las tendencias y el arte urbano. Street art, técnica de grafiti con referencias a los años 90 en Nueva York con influencias del cartoon. Arte pop, dadaísmo y cómic.
Biografía del artista: Juan Miguel Porres –Juay– (Burgos, 1990) es ilustrador y diseñador gráfico. Trabaja en el mundo de la publicidad con clientes como: Disney, Warner, Vodafone, Mitsubishi, Molotow y Marvel. Apasionado de la música, el streetart y las tecnologías. Sus habilidades son la ilustración digital, la animación 2D y el diseño gráfico. También trabaja en arte callejero y tiene un profundo conocimiento de la moda y las tendencias.
Artista: Arquicostura
Título: Mira con las manos
Técnica: Mixta. Hilo de algodón sobre tela metálica
Descripción de la obra: Arquicostura invita a parar y a mirar con las manos. Le interesa el despertar de todos los sentidos, de las emociones, y cree que es más fácil conseguirlo invitando a parar, a tocar, ese sentido que no tenemos tan desarrollado. Por eso trabaja con bordados sobre los muros creando relieves textiles, murales donde la pintura se puede tocar.
En esta ocasión, ha querido jugar también con el paso del tiempo, el día y la noche para hacernos reflexionar sobre los cambios. Ha bordado sobre la fachada unas grandes flores muy coloridas que cambian de color al caer la noche. Biografía de la artista: Arquicostura –o Raquel Rodrigo– (Valencia, 1984) se formó en Bellas Artes y desarrolla su trabajo como escenógrafa, interiorista o escaparatista.
Su obra se caracteriza por buscar la unión entre arte y diseño, tradición y contemporaneidad, lo artesanal con lo industrial.
Arquicostura es el proyecto con el que se ha volcado. Es la máxima expresión del discurso que hace el diálogo público y privado, llevando a las calles el punto de cruz tradicional, una segunda piel que se incrusta en edificios, parcelas, incluso no-lugares inspirando y transmitiendo al espectador una relación personal con su propia historia, su hogar, su familia, sus madres y abuelas, todas las historias contadas y por contar. Un proyecto que saca a la luz un arte femenino e invisible, el internacional y tradicional bordado de punto de cruz.
Artista: Andrés Izquierdo
Título: Dusk to dawn
Técnica: Mixta. Aluminio, pernos, cable de acero, cartón corrugado, resina de poliester, pan de oro y aerosol Descripción de la obra: El arte y la moda convergen en muchas ocasiones diferentes. De las que más interesan al artista son las artes escénicas. Entiende su intervención como un escenógrafo, la “Glass house” como el escenario y la puesta en escena de las prendas de moda como actores en el escenario.
Por lo tanto, todas las decisiones escultóricas realizadas para la producción de la pieza (materiales, formas, colores, escala) están enfocados en esta dirección. La intervención se aborda de forma rotunda y decidida colocando una escultura de gran formato en el centro de la sala. Una circunferencia de 170 cm de diámetro cuelga del centro de la caseta de cristal seccionándola en dos espacios diferentes.
Con una estructura de aluminio, lo más ligera posible, y forrada en cartón corrugado, por su ligereza, por las amplias variedades de texturas y por ser el material por excelencia utilizado en las escenografías teatrales de la infancia.
Está circunferencia está pintada entera a mano, empleando un aerógrafo para generar distintas calidades y profundidades, así como otro tipo de técnicas como el pan de oro o la colada de resina. Una de las caras representa un sol amaneciendo, la otra un sol anocheciendo.
Biografía del artista: Andrés Izquierdo (Madrid 1993) deforma, superpone y muta una amalgama de ficciones, fenómenos, supersticiones, mitos o ensoñaciones. Forzándolas a coexistir en un mismo plano, logra generar narrativas autónomas, que se escapan a su propio control.
Poniendo en conflicto condiciones físicas y filosóficas opuestas como: divino y perverso, artificial y autogenerado, barroco y minimalista, o abstracto e hiperrealista; el resultado de sus investigaciones concluye en forma de esculturas, objetos domésticos, escenografías, arquitecturas o instalaciones inmersivas en las que cuestiones espirituales y metafísicas planteadas a través de la percepción y la ilusión discuten la naturaleza de nociones terrenales como la fe, la culpa, el tiempo, la violencia o la cognición.
Andrés ha mostrado su trabajo en lugares como: Intersticio (Madrid, 2021); Matadero (Madrid, 2021); Aparador Monteleón (Madrid, 2021); Camp Design Gallery (Milán, 2020); Mast (Nueva York, 2019); Galería 6mas1 (Madrid, 2018). Dutch Design Week (Eindhoven, 2019); DMY (Berlín, 2017).
Artista: Abel Iglesias
Título: Enter the Gap
Técnica: Instalación. Estructura hinchable
Descripción de la obra: Las piezas presentadas son parte de de la serie “Enter the Gap” realizada en 2018, en una exposición de carácter efímero que se realizó en el subsuelo de Valencia, en una línea de metro por terminar. Allí se instaló una serie de esculturas hinchables de gran formato que transformaron el espacio convirtiéndolo en un recorrido donde alrededor de 100 personas accedieron de forma clandestina para encontrarse con un colosal panorama de vida y color.
Iglesias trae a Las Rozas Village dos de las esculturas de esa serie sacándolas a la superficie. Es una muestra innovadora que traspasa el límite de la cotidianidad artística a través de una obra explosiva. En ella, nos sorprende con piezas impactantes de grandes dimensiones, haciendo un recorrido de volumetría y materialidad y realzando los aspectos textiles de la escultura. Una industria, la textil que ofrece diversos usos y un nuevo lenguaje entre moda y arte.
Esta muestra pretende ser una forma de democratizar el arte dándolo a conocer, uniendo las dos piezas en una sola obra, para que las disfruten todos los visitantes, dando un nuevo uso al espacio como acción final buscando la interacción efímera entre público, espacio y obra.
Biografía del artista: Abel Iglesias (Lleida, 1984) ha trabajado en torno al graffiti desde los 11 años. Forma parte de su trayectoria y tiene una importante influencia en su obra. Iglesias l basa su arte en composiciones abstractas que provienen de las tipografías y de su personal forma de entender el graffiti. Traduce esas letras en formas y colores, y muestra una investigación sobre la construcción y la deconstrucción.
Su obra está dotada de un fuerte componente estético inspirado en una visión futurista y de sociedad avanzada, una reinterpretación de lo establecido. Las piezas de sus series no sólo funcionan por sí mismas, sino que funcionan como un todo, cada pieza da lugar a una narrativa compositiva y sus elementos confluyen con las demás piezas.
